:::Já viu?:::

2007-01-08T12:52:00.000-02:00

DIAMANTE DE SANGUE e EM DIREÇÃO AO SUL

Dois filmes absolutamente díspares, mas que a meu ver têm duas coisa em comum, o olhar gringo/aproveitador sobre países miseráveis e, o mais engraçado, os dois filmes me remeteram a filmes brasileiros: Diamante de Sangue é uma versão revista e piorada de O Jardineiro Fiel (tá bom, não é filme brasileiro, mas é filme do Fernando Meireles) e Em Direção Ao Sul é uma versão ruim de qualquer filme brasileiro dos anos 80.
Diamante de Sangue é bacana, por incrível que pareça. Um filme bem violento sobre um problema bem violento, contrabando de diamantes em países africanos etodo o terror que isso acaba causando, daí os diamantes serem conseguidos banhados em sangue. O grande problema do filme é ser careta, moralista; inicia contando a história nuns letreiros toscos e termina dando lição de moral com esses mesmos letreiros, dizendo que cabe a cada um de nós não comprarmos os tais diamantes! Inacreditavelmente ruim! Mas o filme em si é bom, bem filmado até, se você não pensar que o Meireles fez o mesmo filme muito melhor um tempinho atrás. Mas como no filme do Fernando, o elenco desse filme é impecável, principlamente por causa do Leonardo Di Caprio: vi 2 filmes com ele nos últimos 4 dias, 2 filmes completamente diferentes, e o cara tá muito bem em ambos os filmes, se ele não levar oscar esse ano vai ser marmelada. Ele é um contrabandista de diamantes, um africano branco trabalhando onde tem trabalho na África, até que fica sabendo de um diamante cor de rosa valiosíssimo. Pensando que ali estaria sua redenção, que ganharia dinheiro suficiente pra parar com essa vida (tsc tsc tsc), vai atrás da pedra, custe o que custar. Assim se envolve com uma jornalista americana que o ajuda a achar a família do africano que tem o tal diamante, assim fazendo boas ações mas sempre com um objetivo escuso. Os meios e os fins e bla bla bla.
O filme é uma tentativa de lição de moral atrás de outra que de vez em quando a gente até esquece pelo roteiro bonzinho, mas que logo deixam bem claro que se você está ali vendo o filme você também deve ter as mãos sujas de sangue. Irrita bem, na verdade. Mas o bom do filme é que é corajoso, mostra coisas que em princípio não se mostrariam, como os moleques que são levados a lavagem cerebral quase por homens das milícias contra o governo, cenas ousadas pra um filme desse nível.
E ousadia é um pouco o que falta num filme como Em Direção Ao Sul, filme francês que se passa no Haiti, contando a histórias de mulheres nos seus 50 anos de idade que vão a esse "paraíso tropical" atrás dos homens negros que as façam mulheres de novo. Enquanto o filme fica nisso, dentro do hotel que elas se hospedam, com os homens as satisfazendo na cama mas que não podem se sentar no restaurante com elas, nessas sequências o filme é bom. Mas quando o filme sai do hotel e entra na vida do país e tenta mostrar os problemas, a pobreza, o país podre, o filme descamba pra um folhetim quase. Não se aprofunda o suficiente pra mostrar o que acontece mesmo e nem se abstém o suficiente pra dar uma visão estrangeirae imprecisa do que acontece. Fica num meio termo capenga que compromete muito o filme.
O elenco de mulheres "velhas" é muito bom, encabeçado pela fodona Charlotte Rampling, possessiva e cuidadosa e linda que vai todo ano ao paraíso pra "se sentir viva de novo". Se o filme ficasse centrado no hotel e no que acontece só com as mulheres, talvez teria sido um grande filme, com referências aos problemas ao redor. São lições de cinema que alguns diretores precisam e uma delas é como contar uma história sem mostrar o que não precisa ser mostrado ou o que não se deve ser mostrado, como num grande filme do David Mamet, O Caso Winslow, onde um caso de um julgamento absurdo é contado sem mostrar o tal julgamento; escolhas acertadas e no fim ousadas que fazem a diferença. Lições. Por isso que o que vale é assistir filmes e mais filmes mesmo.

2007-01-06T17:38:00.000-02:00

007 - CASSINO ROYALE

007 - Cassino Royale é o filme que finalmente coloca o agente secreto inglês nos anos 2000.
A cada filme ficava a nostalgia rançosa de Sean Connery como sendo insuperável. E agora vemos que ele não era insuperável por ser melhro ator ou ter mais carisma que os outros Bonds. Mas o problema desses 40 anos de franquia eram os roteiros que eram sempre iguais, sempre mostrando o quanto o cara era fodão com armas, mulheres, carros, gadgets.
Um roteiro mais pé no chão (na medida do possível de um roteiro do James Bond ser pé no chão) mostra que não importa muito o ator, na verdade, importa o personagem. Pode ser loiro, pode ser feio, pode ser fortão como o Daniel Craig e o filme vai bem. Eva Green é a melhor bond girl dos últimos tempos. E nesse filme todo mundo tem menos jeito de super herói, esse é o segredo.
Bond quase morre, claro que é ressucitado no seu carro, mas quase morre. Bond diz "eu te amo" o que dá uma dica pro final do filme. Bond perde dinheiro. Bond é traído. Bond bate. Bond apanha.
Todos os clichês dos outros filmes estão aqui também, só que de formas diferentes. E isso dá ao filme uma aura ótima. O vilão não é o mais vilão de todos. A chefe do Bond é vista dormindo ao lado do marido. E por aí vai.
A abertura do filmé é como sempre muito boa. A trilha também, tudo bacana e o filme é uma diversnao de primeira, com um roteiro meio na modinha de mirabolâncias, mas sem estregar o nosso prazer de "dizer de novo? mais uma virada?".
Vale a pena se por nada, por ver como alguém com uma boa vontade e com culhão pra mudar uma coisa que vinha se repetindo a tanto tempo.

2007-01-05T15:42:00.000-02:00

OS INFILTRADOS

Não sei nem por onde começar a falar de "Os Infiltrados", o mais recente filme do Scorcese. Tudo no filme é muito bom. Ele se cerca mais uma vez de todos os seus colaboradores, do fotógrafo e gênio Michael Balhaus a seu mais recente colaborador e pupilo com certeza e quase alter ego, Leonardo DiCaprio. E o cara rouba o filme. Num filme cheio de feras como esse, não é tarefa das mais fáceis. O filme começa e você vai vendo o elenco todo e fica só suspirando, porque só tem atorzão, e só atorzão bem dirigido, o que é melhor ainda. Ninguém deixa a desejar em momento nenhum do filme. Ninguém e nada do filme deixa a desejar.
Bom, a história é mais uma sobre máfia, dessa vez de Boston, com policiais corruptos, bandidos infiltrados, policiais infiltrados e tudo mais. Mas o filme na verdade é sobre confiança e respeito. E sobre mentira. E sobre como saber mentir muitas vezes é melhor do que mostrar confiança ou tê-la.
Jack Nicholson é o chefão da máfia irlandesa de Boston e educa um moleque pra ser policial e ser seu "rat" dentro da polícia dizendo tudo o que acontece pra ele. Esse moleque é Matt Damon que faz um policial mauricinho e bem perdidinho, muito bom. Só que ao mesmo tempo, a polícia pega outro moleque recém formado na academia e o joga no bando dos mafiosos pra ser o informante do outro lado. Assim o filme acaba sendo um jogo de cada lado saber que é o infiltrado, quem passa todas as informações pra outro lado. E assim mostra o quanto o caráter e a confiança e o respeito contam muito em todos os meios, mesmo com os bandidos e a polícia.
O filme inicia mostrando o quanto Nicholson manda na sua redondeza, o quanto é poderoso e o quanto faz o que quer. E no início não vemos seu rosto, mas sabemos que é ele, óbvio. Enquanto isso Scorcese vai nos mostrando como funciona o lado do bandido, como ele manda bater, como ele pega dinheiro, como ele paquera a filha adolescente do cara do mercadinho e como ele casa com ela alguns anos depois. E, principalmente, como ele escolhe o moleque que vai ser seu olheiro dentro da polícia. E só num momento crucial de divagação filosófica que Scorcese coloca luz no rosto de Nicholson, com a câmera de baixo, pra mostrar o quanto o cara nos intimida, o quanto o cara é maior que nós humanos.
Scorcese não deixa nada de fora de seu universo particular e tão familiar, os planos longos, os super closes, as cantinas italianas, o uso da lente bifocal com foco em primeiríssimo plano e lá no fundo em momentos cruciais, as mulheres como meras coadjuvantes que não ajudam nada o filme todo mas com passagens importantes nos momentos chaves do filme. E nesse caso, nesse filme em especial, uma personagem feminina importante, a psiquiatra, namorada de Damon e amante de Di Caprio, os dois pólos da história. A psiquiatra bobinha, romaticazinha, que acredita no trabalho social e que se deixa levar tão facilmente pelo inteligente bandido/mocinho Leonardo.
Lá pelo meio do filme, a história começa encaminhar por um lado meio que estranho pros padrões do nosso Martin, essa coisa de roteiros mirabolantes cheios de reviravoltas, tão em moda hoje em dia. Eu fiquei assustado que ele tivesse se enveredado por essa plaga, mas fiquei feliz demais com o final do filme, chocante e bem Scorcese, nem sei como pude duvidar que seria diferente.
O bom de um filme desses é perceber a força de um diretor fodão, que tem poder sobre o que faz, que faz do jeito que quer, que sabe o que quer e que por mais que tenha alguém atrás enchendo o saco como um produtor e tal, faz e faz direito. Cenas antológicas nesse filme são algumas que se unem ao rol de cenas absurdas de Martin e sua cinegrafia maravilhosa: sempre com Nicholson, primeiro com 2 mulheres em seu quarto, enchendo a mão de cocaína e jogando em cima de sua mulher, que está deitada na cama e mandando a outra cheirar e só parar quando ela estiver totalmente entorpecida. Parece filme de terror de tão tenso! Outra é quando Nicholson vai se encontrar com Damon num cinema disfarçado e tal e se vira, abre seu over coat e mostra um pau imenso preto, como se fosse um tarado. Assustador de novo. Outra cena bem animal é quando Nicholson vai falar com Di Caprio num restaurante, vem de uma sala do fundo com as mãos e a roupa cheias de sangue e pede um rodo, balde e muito pano. O personagem de Nicholson no final das contas parece mesmo um monstro de filme de terror, mas um monstro diferente do que constumamos ver em Nicholson antes. Ele finalmente nesse filme, quebra com seu estereótipo dos últimos anos do cara sarcástico, de óculos escuros, de roupa impecável e sorriso no canto da boca, desdizendo mais que dizendo. Desta ves, ele fala tudo. Ele pode tudo. Seu cabelo é desarrumado, seus óculos são feios, sua roupa é estranaha, ele usa jaqueta inglesa com gravata de onça, seus modos são refinados a ponto de desenhar muito bem, ao mesmo tempo que detona tudo com a maior rapidez e sem pensar muito. Ele é o malvado e o bonzinho, o cara que a gente odeio mas se sente atraído ao mesmo tempo, um cara fascinante mesmo, talvez um dos melhores personagens do cinema recente. E o mais bacana de tudo é que Nicholson é um cara generoso, não rouba a cena dos outros atores, a gente percebe que ele faz com que Di Caprio se sinta mais à vontade com ele pra fazer o que sabe fazer muito bem. Já Damon tenta, a gente percebe, mas não vai tão longe assim, apesar de tudo.
Imagino um pouco que essas histórias de máfia que Scorcese tanto gosta de contar sejam histórias da sua "máfia pessoal", do mundo que ele cria a sua volta, de seus colaboradores, de seus atores, de sua equipe, e ele como o grande chefão disso tudo, às vezes se sujando de sangue, às vezes mostrando um pau grande pra mostrar quem manda. E no final sempre mostra que o cara é gênio, faz o que quer com o quê o cinema lhe proporciona e nos brinda sempre com um grande filme depois de outro.

2007-01-03T14:10:00.000-02:00

O VIRGEM DE 40 ANOS

Steve Carell é um cara engraçado, bem engraçado. Vi outro dia ele no Saturday Night Live e ele disse q uns anos antes ele fez teste pro programa e não conseguiu entrar no cast. Agora ele voltava vencedor e milionário, por causa de seu filme "O Virgem de 40 Anos". O filme é escrito, produzido e estrelado por ele. É vendido como uma comédia mas no fundo é uma comédia romântica. Escrachada é verdade, mas uma comédia romântica com certeza. Ele faz um cara de 40 anos, virgem. Estoquista de uma loja de eletrônicos, seus amigos descobrem e fazem tudo pra ele faze sexo. E daí vem as piadas, seja nas tentativas sempre frustradas, seja nas saídas pra pegar mulher, seja nas aulas de como se comportar com as mulheres. O filme é cheio de piadas prontas, com os personagens bem estereotipados, mas com bons atores o que já é uma grande coisa. O filme é bem meia boca, mas tem uma sequência que quase me faz cair no chão de dar risada, literalemente. É a hora que os amigos levam Carrel pra fazer depilação no peito e na barriga, porque um deles diz que mulher gosta de caras lisos. A sequência é até meio óbvia, ele se deita na maca, seus amigos em volta e uma depiladora oriental toda fofa em princípio, passa cera no peito dele e puxa. Daí começam as reações hilárias dele, sempre xingando muito, quase batendo nela. Quanto mais ela puxa, mais ele pira. E ela também pira. E os amigos não se aguentam. É muito engraçado mesmo.
Se o filme não vale por muito, vale por essa sequência!

2006-12-31T03:25:00.000-02:00

O LIBERTINO

Johnny Depp é bacana. Todo mundo sabe disso, todo mundo diz isso, e começar um texto dizendo isso, apesar da redundância, mostra que mais uma vez o cara bacana, o ator bacana escolheu mais um filme bacana pra fazer, como esperado. Na verdade eu tô com vontade de ver o Depp numa comédia romântica com a Cameron Diaz, bem lixo, pra variar.
Não, melhor não.
Seu filme "O Libertino", conta a história de um cara meio Marques de Sade na Inglaterra vitoriana, só que sem o talento literário do francês, apenas com o mesmo talento libertino.
Casado, nobre, amigo do rei, beberrão, artista, escritor, diretor de teatro, fornicador, bissexual, provocador, o cara fazia de tudo. E por seus excessos ele se perdeu. Sem sutilezas e sem poupar o personagem de muita coisa.
O filme não é tão "pesado" quanto se esperaria de uma história dessas, é mais ousado esteticamente, o que já é uma grande coisa: a câmera tá sempre "viva", se movendo, nunca parada, mesmo num tripé; o diretor brinca muito com mudanças de foco de formas bem boas e com ótimo apelo dramático pras cenas; velas são usadas muitas vezes na iluminação imprimindo um grão interessante à fotografia.
O filme é baseado numa peça, adaptada pelo próprio autor para a telona e muito do que se veria no palco, se passa em palcos, seja num teatro num ensaio de uma peça, seja no parlamento quando Depp zumbi discursa a favor do rei Malkovich com um narigão genial.
O sexo no filme é quase banalizado. O sexy Depp com seu namorado, sua esposa e suas amantes, a atriz e a puta, exala tesão em seus gestos e em seus olhares. O cara é bom e pronto.
Samantha Morton como a atriz/amante dá outro show, mais um, como toda vez que aparece em qualquer filme.
Em princípio eu fiquei reticente, porque o filme começa com uma sequência bem estranha, meio que já mostra que o diretor quer se exibir um pouco, mas ele se recupera logo em seguida e mostra que além de saber o que fazer com bons atores, sabe o que fazer com uma produçnao caprichada e sabe muito bem o que fazer com uma história boa.

2006-12-29T14:11:00.000-02:00

O Amor Não Tira Férias

Aquela piada de "filme água com açúcar se você for diabético não vá ver" encaixa-se perfeitamente nessa bomba. Triste de ver um filme que é dirigido por uma roteirista meio até que conceituada e que tenha um roteiro tão porcaria e previsível e com diálogos tão... péssimos! Impressionante! E ela ainda coloca um personagem de um roteirista veterano de hollywood, acho que meio que pra fazer uma homenagem a alguém e de repente o cara some do filme, pfff!
Bom, a história tosca de duas mulheres desiludidas da vida e perdidas por causa de relacionamentos que não deram certo (!!!) começa mal e termina do jeito que a gente já sabe que vai terminar depois de ver os primeiros 10 minutos desse " O Amor Não Tira Férias". O filme tem dinheiro, tem uma direção de arte razoável, mas se perde em tudo. Cameron Diaz não tem jeito, é uma atriz muito ruim mesmo. Faz o papel de uma editora de trailers bem sucedida na carreira e sem sucesso no amor. Ela nnao faz sexo com o marido e reclama porque ele comeu a secretária mais nova que ela. Coisa patética. Bate na cara do cara e se joga numa viagem roubada de troca de casas com uma inglesa, a até que boazinha Kate Winslet, que era amante de um cara e que descobre que ele vai se casar com a namorada e fica mal qorque ele não contou pra ela. Pff 2!
A americana vai pra casa da inglesa que vai pra casa da americana e elas conhecem as pessoas que meio participam uma da vida da outra e daí o filme vai descambando. Enquanto Cameron se apaixona pelo irmão lindo da inglesa, o fodão e super bronzeado Jude Law e beija e trepa e bebe e tenta fazer piadas com ele, Kate fica amiga do vizinho octagenário roteirista e com ele tem jantares divertidos e dhttp://www.blogger.com/img/gl.link.gife muitos papos. A diferença do joie de vivre americano e do high brow inglês. Pfff 3!
Pra piorar entra em cena Jack Black numa situação constrangedora de não=par romântico de Kate fazendo piadas ruins numa atuação que beira a cópia mal feita de um Jim Carrey. (Quem coloca Jack Black numa comédia romântica, pelamordedeus?!!?!?!?!?!?)
E pra piorar: ele faz o papel de compositor de trilhas de filmes e a trilha do filme é o pior do filme. Mesmo. Parece piada. Só faltou ter um personagem diretor de cinema pra confirmar o quanto a tal diretora é ruim.
Diaz se dá pior, no frigir dos ovos, por ter mais espaço no filme, obviamente, mais cenas, contracena com mais gente e se sai pior mais vezes. Tem até um duelo de expressões com um cachorro que é muitas vezes melhor que ela só latindo.
O ponto bonitinho é o da família de Law, suas duas filhas fofas que têm uma sequência boa e bem dirigida numa cabana com o pai e a namorada americana.
Fora isso, o filme é hirritante ao extremo, sem charme, sem humor, sem ritmo, sem nada. Vergonha!

2006-12-04T13:38:00.000-02:00

O Labirinto do Fauno + O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias

Guillermo Del Toro é o cara. Nasceu em Guadalara, no México e conquistou o meu coração fantástico! Nascer em Guadalajara é tipo ruim, cidadezinha que não tem nada. Imagino ele moleque parecido com Ofelia, a menina protagonista do maravilhoso O Labirinto do Fauno que, no final da Guerra Civil Espanhola, muda-se com a mãe grávida para um moinho no meio do nada porque seu padastro é um capitão do exército franquista com a missão de capturar uns últimos rebeldes escondidos na floresta perto do ttal moinho. A menina não quer morar no meio do mato, muito menos com um pseudo-hitler como padastro. Mas a mnae tá grávida, apaixonada e nada faz. Então a menina lê. Lê muitos contos de fadas, histórias fantásticas e imaginase fora de lá. Ou melhor, usa essas histórias pra sair um pouco de lá. Já no caminho de chegada encontra uma fada/libélula que a leva a um labirinto de pedra abandonado perto de sua casa/moinho e lá Ofelia descobre um mundo que só ela pode ver e nele viver: ela é a reencarnação da princesa do submundo que tempos atrás resolveu, por curisidade infantil, subir ao mudno dos vivos e assim se tornou uma mortal; rei, rainha, seus pais, esperam seu regresso, mas para ela provar que é a princesa, precisa realizar 3 provas sob a atenção do fauno.

Isso tudo na verdade é uma história a parte, a fuga da menina em meio ao inferno em que vive de soldados e tiros e explosões e da mãe que passa mal com a gravidez perigosa e do padrasto tirano. Enquanto ela pode, ela faz portas de giz e atravessa paredes, segue as fadas que agora têm a forma de um desenho de um de seus livros, corre de monstors com olhos nas mãos e ajuda a dor da mãe colocando sob sua cama uma erva que se parece com um feto que se move. Ofelia na verdade vive em seu mundinho, o mundinho das crianças, quase alheias à realidade à sua volta. E Ofelia não faz nada mais nada menso que tornar seu mundinho particular mais particular ainda e mais interessante ainda.

O filme é um primor em mesclar esse mundinho infantil e fantástico com as agruras de uma guerra quase que particular de um capitão doido e com sede e fome de poder. O pai/padrasto doido e sempre visto de baixo, dando medo com seus pelos saindo da camisa, a mão apática e frágil, sofrendo por causa do filho que o tirando "fez nela". Prato cheio para as escpadas oníricas de Ofelia, a grande pequena atriz de 12 anos Ivana Baquero.

O elenco ainda tem 2 pérolas: o catalão Sergi López como o tirano capitão/padrasto, pra mim o melhor ator espanhol em atividade. E a ótima Maribel Verdu, atriz de Almodovar e do doidão genial Bigas Luna, que faz o papel da empregada do moinho que serve o capitão e na verdade é irmã do chefe dos insurgentes e sua espiã dentro da casa. Ela na verdade é a única adulta que tem um contato mais razoável com Ofelia, a menina, talvez por ser a adulta à mão que não sofre tamanha influência do capitão, a única com quem a menina pode conversar.

O filme é lindo, direção de arte primorosa no escuro da vida normal do moinho e nas cores e no barroco da viagem da menina pelo labirinto e seus mundos encantados. Del Toro sempre cria mundos absurdos em seus filmes, com destaque para Cronos, filme de 93 que passou aqui na mostra de cinema mas nunca entrou em cartaz nem saiu em dvd nem nada.

Nunca imaginaria esse filme sendo feito por aqui, com tanta história e tanto folclore nosso, falta ainda o diretor contador de casos fantásticos.Mas faço um paralelo desse filme com o ótimo O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias, do Cao Hamburger. Filme lindo com história muito bem contada sobre um menino de uns 10 anos de idade que em 1970, ano da copa, vai viver com seu avô no bairro judeu do Bom Retiro, em meio a um uundo diferente do seu na Belo Horizonte pacata dos anos 70. Seus pais somem por um tempo, fugindo do governo ditador e prometem ao filho que voltam para verem a copa juntos. A copa chega, o Brasil vence e os pais não dão notícias. Enquanto isso, o menino se adapta a esse novo mundo de velhos e crianças, de rezas e peixes no café da manhã. Ele conhece os moleques da vizinhança e brinca o quanto pode. Mas fica mesmo esperando o telefone em casa tocar para ter notícias dos pais. No Labirinto, a menina viaja para um mundo imaginário de fadas e mostros, fugindo dos monstros do dia a dia. No filme brasileiro, o menino se refugia no mundo da copa, onde afinal todos os brasileiros se refugiam e esquecem seus problemas a cada 4 anos. O único defeito do filme na minha opinião é o diretor querer aparecer um pouco demais e sua mão fica um pouco pesada em planos geniais através de espelhos e afins. Um pouco de humildade não faz mal a ninguém.

Enquanto isso, me divirto e viajo com filmes como esse Labirinto. Quero mais.

2006-11-27T16:32:00.000-02:00

O CÉU DE SUELY

O grande filme brasileiro do ano, o filme que todos falam e que todos que viram amam, é na verdade um filme quase iraniano de chato. O Céu de Suely, do Karin Ainouz, é um filme bonito, bacaninha, mas pretensioso demais. Eu pensei no hora bastante no Abril Despedaçado do Walter Salles, o filme nacional mais chato dos últimos 30 anos. E acho que o Walter , por ser produtor do Céu, acaba tendo uma ifluência sobre o projeto, obviamente. Fora que o próprio Karin era o roteirista do Abril. O que esses dois filmes têm de ruim é um pouco da estetização exacerbada do nordeste, neste menos e no Abril mais ainda. A cena final do Rodrigo Santoro lindo numa praia vendo o mar pela primeira vez com a família horrorosa em volta dele, era triste de doer. Nesse Céu, Suely/Hermila é "deixada feia" pelo diretor, para que ela se enquadre melhor na paisagem da cidadezinha do interior do Ceará que ela faz parte. Ela é uma atriz bem bacana, com corpão, mas fizeram um cabelo péssimo nela pra ela ficar mais "baianinha". Só que ela destoa do resto do elenco, com certeza. Não só fisicamente, mas também no tratamento que o diretor lhe dá. Suas cenas são sempre melhor filmadas que do rsesto do elenco. Claro que isso tudo é proposital, mas acaba sendo um defeito. Outro defeito e forçação de barra acaba sendo o elenco de não-atores e o não roteiro a ser seguido, os nomes dos personagens serem os mesmos nomes dos atores. Que preguiça! Fica faltando caminho e direção mesmo, fica faltando um fio condutor não da história, mas de dramaturgia. O elenco de apoio é bom, mas as cenas são ruins, mal filmadas. E fora que isso já tá meio antigo demais, né?

O filme conta a história de Hermila, uma mulher que volta de São Paulo com um filho pequeno pra sua cidade natal no interior do nordeste depois que descobre que São Paulo é muito boa, mas é muito cara. Ela espera seu marido que diz que volta dali um mês e nada. Quando descobre que ele fugiu dela e de suas responsabilidades, ela resolve rifar uma noite de amor com ela para juntar dinheiro e ir pro lugar mais longe que ela conseguir, que acaba sendo Porto Alegre. Em seu tempo de volta na cidade, na casa de sua avó, morando com a tia lésbica que dá em cima da prostituta do posto, Hermila muda de nome pra Suely na esperança de que ninguém descubraque as duas são a mesma pessoa. Mas numa cidade pequena, todo mundo fica sabendo logo, ela quase apanha de uma mulher numa lija e sua avó, horrorizada e com muita vergonha, expulsa a pseudo-puta de sua casa.

Mas os problemas todos de Hermila na verdade estão ali porque ela não se importa com ninguém, nem com seu filho e nem com sua avó, O que parece é que ela só quer sair dali e fugir de novo. Tanto que no final, quando ela finalmentne vai embora da cidade, o diretor não mostra se ela leva ou não seu filho junto. Na minha opinião isso foi por vergonha do diretor mesmo. Talvez pudor, sei lá.

Sei que o filme começa bem, e termina mal.

E no meio ele é bem pretensioso, com cenas de paisagens e fios de alta tensão, e silêncios, quase uma legenda dizendo "esse é o momento de pensar no que a gente tava falando". Por favor! Coisa velha também!

Acho que no final das contas, o que falta nesse filme é um pouco mais de pé no chão de um Amarelo Manga da vida, mais culhão e menos pensar, menos "cabeça". É o problema do Abril, é o problema desse filme. É o que eu chamei de cinema brasileiro-iraniano-playboy.

Mais um filme desperdiçado. Foda!

2006-11-21T16:41:00.000-02:00

C.R.A.Z.Y. é um filme bonitinho, mas bem morno.
Muito se passa mas nada acontece.
Em princípio é a história de um menino que nasce nos anos 60 no Canadá e que desde pequeno já se mostra bem diferente de seus 3 irmãos mais velhos, pro martírio de seu pai machão! Ele é mais delicado, mais educado, usa as roupas de sua mãe, gosta de olhar outros meninos. Bom, pra mostrar tudo isso, mostrar que o menino é gay, o diretor demora uns 40 aminutos de infância... parece novela!
A adolescência então, demora mais da metade do filme, e nada. Ele bate num moleque da escola que fica olhando demais pra ele, pega a amiga e não come, diz que pode estragar a amizade, todos os clichês possíveis. Tem até o papo dele ser especial, de curar dor de barriga de criança e estancar sangue de quem se cortou. É só ligar pra ele e pedir. Isso tudo pra mostrar que ele é deiferente (já falei lá em cima, mas é como no filme, tem que ficar confirmando o tempo todo). Como tudo demora no filme e nada se mostra, a gente tem que ficar aguentando o papo furado de família chatinha com irmãos adolescentes problemáticos, inclusive o mais velho drogado que vai preso e vende maconha e sempre chama o rimão de viado.
O tempo passa, o moleque vira um rocker nos anos 80, vai morar sozinho, começa ser dj num clube e nada de sexo...hehehe... Um dia ele tem um sei-lá-o-quê e vai pra Israel e finalmente trepa com um cara, mas sem antes passar mal e vomitar na porta do "boate gay".
Claro que a família muda, todos mudam, todos crescem, o pai aceita o filho como ele é apesar de demorar anos pra isso.
E parece que a gente fica anos e anos no cinema vendo o filme, caretinha e arrastado, mas engraçado e bem feito. Pena que xoxo. Pena.

2006-11-21T15:51:00.000-02:00

Adeus Altman!

Ele se vai e a gente vai ter q ficar aturando os copiadores sem o menor talento como o diretor de Crash/lixo.
A vida é dura!
Trocaria o Altman por mais uns 10 anos por pelo menos uns 20 diretores americanos que ganham oscar por aí. E daria de lambuja uns brasileiros também.
Que ele olhe por nós do além.
Descanse em paz.

2006-11-21T12:28:00.000-02:00

PEQUENA MISS SUNSHINE

Bom, que fique registrado já no início do texto, o Pequena Miss Sunshine é um lixo!

Pseudo qualquer coisa, auto-ajuda de quinta. Os diretores não perceberam que o personagem do Greg Kinnear, no fim das contas, seria uma maldição pro filme: um escritor de uma teoria de auto ajuda que fracassa ao tentar lançar seu livro. O filme acaba sendo um filme com uma "filosofia" (fraqunha demais) de união, de família, de valores e toda essa babaquice politicamente correta com uns toques de piada de mau gosto, mas que não funciona, como na teoria dos "9 Passos" do personagem do filme.

Tudo é mal contado, mal explicado. A estética é estranha, a direção de arte é errada, os atores até que se esforçam e quem se sai bem disso tudo é o Steve Carell, o cara que tá virando sensação na tv e no cinema americano. Ele é o tio suicida e gay deprimido do caldeirão de estereótipos do filme.

A história é a seguinte: Olive é uma menina de 8 anos de idade que ficou em segundo lugar em um concurso de miss mirim qualquer coisa. A primeira colocada do concurso tem algum problema e ela é convocada a assumir a primeira colocação e vai participar do concuro de "Pequena Miss Sunshine". Só que sua família mora em algum buraco e tem que ir até Los Angeles em 2 dias onde o concurso vai ser realizado. Como ninguém pode ficar pra trás, eles atravessam o país numa kombi amarela toda cagada e claro que conseguem chegar no seu destino. Mas no meio do caminho eles discutem suas relações dentro do carro e nos enchem o saco!

A família disfuncional é composta do pai escritor fracassado, a mãe que não se sabe de onde veio e que tenta segurar a onda mas não ajuda e nem atrapalha, seria melhor se nem estivesse por lá no fim das contas. O avô cocainômano boca suja que fala o que quer e o que não pode. O filho que resolveu parar de falar há 8 meses. O tio suicida. E a filha que quer ser estrela e vive em seu mundinho de walkman e não vê nada a seu redor. Sorte dela!

Abigail Breslin deve ser catapultada ao estrelato por esse filme, uma nova Dakota Fanning. A menina é ótima, seu papel é ótimo e no final, quando ela se apresenta no concurso, seu número de dança é sarcástico e diferente, digamos assim, do resto.

O filme seria bacana se os atores não se esforçassem tanto. Ou se o roteiro não fosse tão ruim. Ou se o diretor fosse melhorzinho. Ou se a diretora não tentasse fazer da mãe a salvação da família ridícula. Ou se o os clichês não fossem tão óbvios. Quer dizer, pro filme ser bom, teria que começar tudo de novo. E agora já é tarde.

2006-11-13T15:14:00.000-02:00

VOLVER

É impressionante a capacidade de diretores de cinema creiarem mudos tão particulares em sua filmografia. Isso que os faz gênios. Qaundo esses universos criados nos são tão familiares e tão distantes ao mesmo tempo. Hitchcock, Bergman, Fellini, Buñuel, só pra citar uns poucos, são aqueles que nos deixam com vontade de ver "o próximo Lynch". Almodóvar está nessa categoria. E o cara é tão fodão que nem mais é Pedro Almodóvar, é só Almodóvar. Virou marca, nome simples e próprio.

"Volver", seu mais novo petardo, não é sua obra prima, não é um dos seus 3 melhores, como são "Tudo Sobre Minha Mãe", ou "Mulheres A Beira de um Ataque de Nervos". Mas Volver é uma aula de direção de ator. No caso, de direção de atrizes. Mais uma vez Almodóvar faz um filme que gira em torno do universo feminino, onde os atores só aparecem pra foder com a vida das mulheres. E na maioria dos casos terminam mal. Homens e mulheres.

O maior mérito de Volver pra mim são na verdade dois: trazer de volta Carmen Maura, musa, atriz fantástica, brigada com Almodóvar desde Mulheres e que agora volta envelhecida, sem maquiagem, sofredora e a que faz sofrer. O cara é bacana, traz a atriz de volta, mas a atrizz deve ter feito alguma pra ele, porque ele fez questão de deixá-la bem feia no filme. O que no caso, foi ótimo pra ela, meio que o tiro saindo pela culatra. Diferente do segundo mérito do filme, Penélope Cruz. Pra mim, Penéolpe sempre foi a atrizinha mediana e feinha que alguém ressolveu que era bonita e que podia sair em capa de revistas. Nunca engoli. Cada filme que ela fazia, mais bode eu tinha. Mas seu RP deve ser bem fodão, porque além de tudo isso, ela foi namorada ate do Tom Cruise, e se eles se casassem ela ia se chamar Penélope Cruz Cruise, nome bem bom. De qualquer maneira, Volver é o filme da Penélope. Ela já pode morrer ou se aposentar depois desse filme, porque vaitomarnocuzinhorosa como ela tá bem, e tá linda e tá bem demais. É uma pobretona que mora no subúrbio de Madri, casada com um filhodaputa e com um cabelo fodão e com o olho mais lindo do cinema desde Sophia Loren nos anos 50.

O cara perdeu tempo com ela, demorou dirigindo, e valeu a pena. Ela passa o filme com os olhos mareados, prestes a chorar. E quando chora... Ahhh, eu tinha vontade de chorar junto, nem pelo melodrama todo dela, mas só porque ela tava ali chorando. Força dramática é pouco!

A mulher ganhou o prêmio de melhor atriz em Cannes esse ano e duvido que não ganhe o Oscar. Ao menos que os caras resolvam dar pra uma idiota qualquer do nível da Gwyneth mais uma vez.

Menos barroco e mais dramático, menos colorido e maiscontrastado, Volver é o filme que Almodóvar faz pra que a gente se lembre de acender uma vela pra ele de vez em quando pra que ele continue nos deliciando dessa forma.

2006-11-04T20:31:00.000-03:00

O GRANDE TRUQUE

Esse post vai ser uma carta aberta ao diretor Christopher Nolan.
Desculpem a todos, mas como sei que ele é um leitor voraz do meu blog, resolvi publicar aqui mesmo ao invés de mandar um email pra ele.
Vai a versão em português.

Chris (íntimo)
Tudo bom?
Resolvi escrever aqui o que tenho tido vontade de te dizer já há algum tempo. E junto vai um pedido.
Chris, você é um puta diretor bom, mas erra no mesmo nível de seus acertos. Quero dizer que seus filmes bons são geniais: Memento e Batman Begins. Já Insônia, um lixo impressionante. A conclusão que eu cheguei é que você acerta um e erra outro e depois acerta de novo e assim por diante. Bom, quando fez o Batman, fiquei feliz pela qualidade do filme e depois com medo porque tinha lido que faria na sequência The Dark Knight. O filme ruim depois do bom seria um filme do Batman, o que seria um pecado, já que mais um filme ruim do Batman ninguém precisa. Qunado li a respeito das filmagens de O Grande Truque eu fiquei mais calmo, porque sabia que ali você erraria e depois acertaria de novo no filme do morcego.
Ontem fui ao cinema ver o tal filme dos mágicos e... confirmou!
Bem porcaria mesmo.
E com tudo pra ser um grande filme, mas, pelamordedeus, que roteiro é esse? Que maquiagem é essa do filme. Que planos são aqueles do ator que faz o dublê do Hugh Jackman, pior que novela de gêmeo da globo. Aliás, em Mulheres de Areia, os caras faziam uns truques mais bacanas de edição do que você fez! No youtube deve ter isso!
Como um cara como você, todo cuidadoso, com o irmão roteirista chato que tem, faz um filme com uns pulos de roteiro que parece tirado de uma escola qualquer de cinema? Claro, que com o sucesso do Batman Begins, todo mundo queria filmar com você, e você (certíssimo) pega só as pessoas certas mesmo, até um elenco fodão de coadjuvantes como a Scarlett e o mestre dos mestres David Bowie, com um sotaque ótimo no papel do doidão Tesla.
Garantindo a patota do morcego, tem o Bale e o Michael Caine, os dois muito bem, óbvio.
Mas não dá, o filme é um amontoado de cenas que você tentou que se juntassem e contassem uma história razoável. Não, não, mister.
Não adianta colocar um puta figurino lindo, uma direção de arte rebuscada e a história se perder em uns momentos que não podia. O saco de um filme desses é que não dá nem vontade de escrever nada, isso é o pior de tudo.
Mas no final das contas, obrigado por esse filme, por ter errado tanto a mão. Isso quer dizer que eu posso ficar sossegado com o próximo Batman mesmo. E concluir que O Ilusionista, o outro filme de mágicos da temporada, é mesmo um puta filme!

2006-05-18T16:31:00.000-03:00

A CONCEPÇÃO

Várias pessoas chegaram pra mim na última semana dizendo que eu deveria assistir um filme que estreou, A Concepção, que o filme era a minha cara, com muito sexo, drogas e rocknroll.
Confesso que fiquei com o pé atrás.
Além disso, li no jornal comparações desse filme com vários conhecidos nossos, e ainda li que esse seria o "Trainspotting brasileiro".
Bom, com total desconfiança eu fui ao cinema ver o tal filme.
E não é que para minha total surpresa, o filme é muito bom!
Não, não é mesmo o Trainspotting brasileiro.
Nem Os Idiotas brasileiro.
Nem nenhum outro filme malucão abrasileirado.
É um filme bem bacana, ousado, perdido de vez em quando.
Com uma trilha ótima.
Com uma fotografia ótima.
Com ótimas intervenções gráficas, principalmente os créditos iniciais.
E o elenco arrasando, com um porém: com o chato do Selton Mello fazendo quase todos os filmes nacionais, os que ele não faz quem faz é o Matheus Nachtergaele. Isso me irrita um pouco, na verdade, essa onipresença toda. Ainda mais que o Matheus, em 90% de seus filmes ainda se monta, é traveco.
Nesse então, talvez por ser produtor executivo, ter entrado com grana, aproveita e se joga bem: fica pelado um monte, beija todo mundo de língua e bem beijado, e desanca a nuances e mais nuances interpretativas, pra mostrar o "range" de seu personagem e mostrar o quanto ele é bom ator.
Detalhe: isso é um comentário absolutamente construtivo, porque eu adoro o Matheus no filme, não consegui pensar em nenhum outro ator que fizesse tão bem.
Bom, a história é de um grupo de playbas em Brasília que conhece um doidão (Matheus) que chega pra eles com um discurso todo estranho a respeito do fim do ego, com uns mandamentos "concepcionistas" de cada dia uma personalidade diferente e outras bobagens de adolescente que acabou de entrar na faculdade e descobriu a aula de filosofia.
Como a gente sabe que Brasília é o lixo do lixo pra quam tá crescendo e procura o que fazer, os playbas se jogam no discursozinho fácil dele e levam bem a sério essa papagaiada toda, inclusive de deixar de lado valores e bens materiais, dinheiro e tudo o mais.
Assim, promovem festinhas regadas a sexo, drogas e rocknroll, criam bandas que duram um dia, todo mundo beija todo mundo, procuram novos integrantes pra txurminha, beijam, trepam, cheiram, tomam GHB como se fosse água com gás, piram, beijam, trepam mais, andam pelados e se perdem.
E quando se perdem, quando cai a ficha do que tá acontecendo é que o filme fica realmente bacana, porque até então é um monte de cena e de sequência de filme malucão.
Claro que o pessoalzinho doido não percebe onde está se metendo e precisa que o malucão X (Matheus) ligue para os pais de uma das meninas e conte o que está conetecendo. Eles falam com ela e chamam a polícia. Ela só consegue avisar dois ods amigos, os melhores amigos, sendo que a quarta desse quadrado amoroso tá internada num sanatório doidinha da silva de tanto GHB e derivados que consumiu nos 3 meses de doideira.
Daí pra frente é um filme de suspense, quase, com os 3 fugindo, se escondendo, se disfarçando, porque estão sendo procurados pela polícia por vários crimes relacionados a drogas, cheques sem fundo e outras coisas mais.
Nesse terço final do filme é que realmente vemos a cara dos 4 amigos, com eles são de verdade e como esles estão sofrendo de verdade e como eles eram perdidos de verdade com tudo aquilo que foi mostrado no início, com suas idéias concepcionistas vindo por água abaixo, apesar de todo esforço de uma delas em deixar claro em bilhetinhos que dizem "você foi enganado por um concepcionista".
Mas não se engane: o filme é bom, não é uma enganação não.
Mas também nnao é um filme genial como muitos apregoam por aí.
Apesar de todo o povo pelado, falta um pouco de ousadia, falta pau duro, falta mulher se esfregando mais com mulher. Pode parecer besteira isso, mas se mostra muita maluquice por parte dos personagens com drogas e discursos, e na hora do sexo, eles são quase caretas. Palo menos no que é mostrado, que é o que importa, no fim das contas.
E apesar do letreiro que aparece no final dos créditos, resquício dos mandamentos concepcionistas, lemos algo como "esqueça tudo o que vc viu agora. nada disso importa."
Tarefa difícil, o filme fica na cabeça mesmo.

2006-05-15T18:42:00.000-03:00

ESTRELA SOLITÁRIA

Antes de mais nada, acho ridículo comparar esse filme com Paris, Texas. Só porque é Win Wenders, só porque inicia com um plano bem parecido, só porque também foi escrito pelo Sam Shepard, só porque também tem um pai e uma procura por parentes perdidos, não adianta comparar. Não poderia haver dois filmes mais diferentes um do outro.

O povo ama Paris, Texas, e na comparação, Estrela Solitária sai perdendo.

Injustamente.

Porque o filme é bem bacana: história bem contada, lindamente fotografado, trilha precisa com silêncios nos momentos certos, elenco de primeira com destaque para o próprio Shepard que além de escrever o roteiro faz um doido/bad (old) boy memorável e ainda tem a minha musa Jessica Lange, esposa de Shepard, fazendo uma ex-trepada do bad boy que 20 anos antes engravida dele e faz com que ele empreenda uma viagem em busca de suas raízes num momento de piração de vida.

Num momento de vacas magras cinematográficas como o que estamos vivendo, assistir um filme de um grande diretor já é uma dádiva dos céus. Quando é um filme do Wenders, ainda por cima, devemos ajoelhar no milho na sala de cinema. E quando ainda é um Wenders super insipirado nem se fala.

Fica claro o quanto diretor e ator principal estão em sintonia na história. A câmera de Wenders ama filmar Shepard; é como se o americano fosse uma extensão da alma do alemão, como se filmando Shepard, Wenders se mostra por dentro e por fora, como se o ator de seu filme estivesse ali como uma forma de mostrar como o diretor é na intimidade, como o homem sofre, vive, se emociona.

E nem estou dizendo que seja um filme autobiográfica, que seja uma metáfora, mas fazia muito que eu não sentia um amor tão incondicional de um diretor para com seu personagem principal e o quanto esse amor influencia na forma como é contada a história do bad boy pirado.

Cenas memoráveis do filme: o doidão/bad "cow"boy/ator Shepard trocando sua roupa e sua bota aparentemente caríssimas com um cowboy pobretão e saindo de meia pela estrada; a mãe do doidão (vivida lindamente pela gigante Eva Marie Saint) oferecendo biscoitos e leite para o policial Tim Roth, como sempre genial, que está atrás de seu filho fugitivo; o bad boy esperando horas sentado num sofá no meio da rua o seu filho perdido; o plano inicial do filme, que na verdade é um plano de um filme que está sendo feito dentro do filme; todas as cenas da Jessica Lange, velha, linda e mais linda e melhor atriz que nunca.

E para completar o tima todo, temos ainda a nova musa de Wenders, Sarah Polley, uma outra filha perdida do bad boy que ronda a cidade com suas memórias, uma urna funenária com as cinzas de sua mãe e um pen drive com arquivos de fotos e memórias de sua infância e do pai que só encotra agora. Polley, aliás, estrela do filme anterior de Wenders, o estranho Terra da Fartura, que passou por aqui só na Mostra.

E pra mim o único problema do filme é seu título em português, que apesar de ser bom, se referindo ao personagem principal, o título original é mais bacana, Don't Come Knocking, algo como "Não Chegue Chegando!" ou "Nem Vem Que Não Tem!".
Wenders, como sabemos, é um diretor de altos e baixos, mas pra mim, os seus baixos são sempre mais altos que a maioria do lixo que vemos por aí. Gosto dele porque é um diretor que não vive enfurnado num mausóleu vendo filme antigo, é um cara que sabe o que está acontecendo por aí, foi um dos primeiros diretores a fazerem experiências fílmicas em alta definição ao invés do negativo. É um cara que conehce música, e também sabe de rock, e recheia seus filmes com trilhas inesquecíveis. É um cara que ao mesmo tempo que faz um filme de anjos, faz um filme de um bad boy cocainômano.

O único problema é que faz menos filmes do que deveria.

Long live the king!

2006-05-15T18:41:00.000-03:00

TUDO POR DINHEIRO

O Advogado do Diabo é um filme bem porcaria.

Daí, alguém se lembrou da premissa original de ter Al Pacino como um cara influente que joga e brinca com as pessoas, que pega jovens promissores e os transforma em marionetes de seus quereres e esse mesmo alguém resolveu pegar essa idéia, mudá-la um pouquinho e a transformou na bomba Tudo Por Dinheiro.

Vai um pouco além da minha compreensão o porquê da realização desse filme. Alguns motivos aparentes seriam: veículo para o canastra-péssimo-braços-abertos Matthew MacConaughey; Rene Russo é produtora executica do filme, e tem um papel tocante como uma ex-junkie mãe de família que segura as pontas do doido Al Pacino, seu marido; Al Pacino precisa de grana pra pagar algumas contas perdidas.

Ou o estúdio precisava lavar dinheiro e resolveram fazer qualquer coisa. Mas qualquer coisa mesmo. Pelamordedeus!!!

E o pior é que eu fui ver o filme. Pelo menos não tive que pagar, ganhei convite.

O filme é tão patético que a coisa que mais se repete no filme é Pacino falando do físico do texano mala que tenta se fazer passar por ator bacana, mas continua ficando sem camisa boa parte do filme.

Na verdade esse post nem deveria existir, eu deveria ignorar completamente esse filme, mas aqui é mais um desabafo por não acreditar em como funciona a indústria americana de cinema.

2006-05-15T18:40:00.000-03:00

MISSÃO IMPOSSÍVEL 3

Tom Cruise é o cara que mais corre no cinema atual.

E o que mais leva a sério essa história de correr.
E eu tô falando de correr correr mesmo, nada figurado.
Em todos os seus filmes ele dá um pique, pelo menos uma corridinha.
Em Missão Impossível 3 não é diferente: num momento crucial do filme ele dá uma corrida absurda por umas ruas estreitas de Xangai, isso num plano sequência muito bom.
E ele se esforça quando corre, sofre, parece todo retesado, todo concentrado.
O MTV Movie Awards deveria criar um prêmio especial para o ator só pelas corridas dele em filmes, em especial por esse filme!
Mas fora isso tudo, o filme é bem bacana, redime o fiasco que foi o segundo da série, dirigido por John Woo, pelo grande John Woo, e dá uma sobrevida ao agente Ethan Hunt, retomando a boa mão que começou com Brian De Palma.
Nesse filme, dirigido pelo genial J. J. Abrams, criador de LOST, Hunt está para se casar com uma noiva que obviamente não sabe de sua real identidade profissional, pensando que ele é um engenheiro de trânsito. Em sua festa de noivado, ele recebe um telefonema que o chama para mais uma missão impossível, daquelas que se aceitar, é totalmente sigilosa e não conta com o apoio do governo e todo o resto que nós sabemos. Daí descobrimos que Hunt está cansado dessas missões e que tem sido ultimamente treinador de agentes de campo. Só que ele é chamado porque sua pupila é sequestrada pelo grande vilão do momento, um americano mercenário que vende as piores coisas para os piores governos/assassinos/terroristas/ditadores do mundo, daquelas coisas do tipo armas poderosas que causam invasões americanas em países do golfo pérsico.

E é disso mesmo que eles estão atrás, algo chamado Pé de Coelho,algo suficientemente perigoso para gastarem 180 milhões de dólares num filme desses.

O agente Hunt, para prender o malvado, personificado pelo oscarizado e amigo de Cruise Phylip Seymour Hoffman, faz de tudo: sequestra o gordinho, invade o Vaticano, produz em 10 minutos uma máscara com o rosto do bandido, briga em italiano numa rua de Roma, foge do ataque de um caça que lança mísseis e bombas numa ponte cheia de carros de civis, foge da polícia secreta americana, pula de um prédio de 280 metros de altura pra outro prédio ao lado em Xangai, dá a já citada corrida pelas ruas estreitas, leva um choque proposital para tentar parar uma bomba implantada na sua cabeça, ops, falei demais!

O filme é uma montanha russa, não pára um segundo. Já começa na pauleira, com o malvado torturando a esposa de Hunt na sua frente para que ele conte onde escondeu o tal do artefato estranho/perigoso. E daí volta num super flash back pra mostrar o que os levou até lá.

O elenco do filme, além dos dois citados tem mais algumas atuações dignas de crédito: Ving Rhames, como o companheiro perfeito de Hunt continua dando um show; o hype do momento Jonathan Rhys Meyers que brilha em Fim de Jogo (post abaixo) de Woody Allen aqui é um coadjuvante de luxo; Billy Crudup como o amigo de Cruise na agência de espiões, com cara de bonzinho dissimulado mostra o grande ator que é e só não rouba o filme por causa de Hoffman, que cada vez mais, mostra a que veio. Em qualquer filme que atue, do mais cabeça como Magnolia e Capote, ao mais pipoca como esse Missão, Hoffman parece disposto a dar um show de interpretação, nos fazendo esquecer, se é que isso seria possível, do seu último personagem, fazendo o próximo melhor e mais instigante ainda.

2006-05-15T18:39:00.000-03:00

A RONDA NOTURNA

Bom, a notícia seria fantástica de qualquer maneira só por ser sobre um novo filme escrito e dirigido por Peter Greenaway, o inglês que mais deve ser descrito como um "artista" ao invés de um "mero" diretor de cinema.

A boa nova é sobre seu novo projeto já iniciado: para comemorar o ano Rembrandt na Holanda, Greenaway vai dirigir A Ronda Noturna, filme baseado nas histórias de amor do pintor e suas duas amantes, à época que produzia esse quadro.

O elenco é muito bom: Matthew MacFayden, de Orgulho e Preconceito (ver post logo abaixo) como o mestre holandês e Sarah Poley e a insossa Minnie Driver como suas duas amantes.

Bem, mas vamos ao que viemos. A notícia termina com o custo da produção, 6 milhões de euros. Hoje, aqui no Brasil, um número considerável de filmes estnao sendo produzidos com um orçamento parecido com esse. Inclusive o tal do filme-gasparzinho-do-ator-diretor-floricultor já gastou mais que isso e até agora nada.

Uma idéia: a quem do dinheiro, chamar diretores do nível do Greenaway para investirem seus reais e parar um pouco com a palhaçad do desperdício do cinema nacional, onde os melhores filmes com certeza são os que menos gastaram dinheiro.

2006-05-15T18:38:00.000-03:00

O NOVO MUNDO

Terrence Mallick é um diretor que mais parece um observador.

Seus filmes são longos, lentos, sempre com locução em off dos personagens principais, sempre dando a impressão de estar reverenciando a história que ele conta mais do que contando propriamente.

Seu mais recente filme O Novo Mundo é mais um que prova isso tudo. Ele conta a história de Pocahontas, a nativa americana que encantou os primeiros colonizadores ingleses daquele terra distante a ponto de trair seu povo e ser expulsa de sua triba pelo rei seu pai e viver com os conquistadores até ir para a terra-além-das-ondas, a Europa, e lá perecer após finalmente ter resolvido seus "problemas" do amor.

A Disney, uma década atrás, contou a mesma história, mas terminou o filme de animação na parte que não faria seu público de 8 anos de idade se debulhar em lágrimas. Já Mallick não poupa ninguém do final triste. Muito pelo contrário, constrói o filme de maneira que ao final, sentimos tanto "carinho" pela princesa índia que ao vê-la correndo num jardim inglês com seu filho queremos que o filme termine ali e não mostre o final que já adianta.

Em verdade isso é uma grande coisa, mostra do exímio talento de Mallick, mostra de sua maestria em contar histórias, em manipular informações de forma que leve sua audiência ao estado que o apraz. Caímos como ratinhos levados pelo som suave de uma flauta encantadora.

E apesar do elenco macho-estelar do filme, a grande estrela é a novata que faz o papel da princesa que encanta tanto os ingleses invasores. Colin Farrel e Christian Bale, dois exemplares dos melhores ingleses de sua geração caem ao pés da neta de esquimó que vai do sublime à loucura em 2 horas de belas imagens e silêncios solenes como só um mestre como Mallick poderia nos mostrar.

2006-05-15T18:37:00.000-03:00

VINCENT

Em 1982, o graaaaaaaaande e ainda pouco conhecido Tim Burton, fez um filme em animação bem lindinho: Vincent .Conta a história de um menino que queria ser Vincent Price e que lê Poe ao invés de gibis.

Assista o filme

E acho que explica um monte de coisas a respeito do mestre Burton, inclusive o seu livro infantil The Melancholy Death of Oyster Boy & Other Stories.

Enjoy!

2006-05-15T18:35:00.000-03:00

V DE VINGANÇA

Lá pelos idos de 1985, eu entrei na faculdade de cinema, e como todo bom estud universitário, achava que iria mudar o mundo com idéias novas e ideais que eram descobertos a cada nova aula por mim e por meus amigos.Tanto que para um trabalho, se não me falha a memória para Teoria da Comunicação, meu grupo teve a brilhante idéia de mostrar um cara vestido de político/empresário (de terno), segurando uma máscara de homem sério com sorriso amarelo fazendo um discurso super burocrático e panfletário. De repente esse "ator" tira a máscara de político e o terno e fica com uma cara de palhaço se dizendo parte da população que não aguentava mais ser feita de palhaço por esses engravatados. Daí o palhaço começa passar a mão no rosto tirando a maquiagem e fazendo um discurso enfezado de "vamos deixar de ser idiotas e falar e fazer e blá blá blá…"

Bom, pra um primeiranista de faculdade, achamos genial o que fizemos. Quando fomos discutir com o resto da turma e ouvir o que os professores tinham achado, a primeira coisa que ouvimos do primeiro professor foi que o palhaço, o político e o cara de cara lavada todos tinham meio que o mesmo discurso, tentando levar a população pro lado de cada um, falando alto, falando de um lugar mais alto que o resto do povo, sempre distanciados. O que nos deu nota baixa no trabalho foi exatamente isso, não termos achado um tom próximo do povo, de como o povo deveria ser aproximado, de como o povo deveria ouvir alguma coisa diferente do mesmo.

Mais ou menos na mesma época desse ido 1985, Allan Moore lançava por ali a graphic novel V For Vendetta contando a história de um terrorista que destrói o parlamento britânico para ser ouvido. E que acaba sempre usando atos parecidos aos usados pelo governo autoritário e ditatorial que ele lutava contra.

E no fim, esse é o grande problema dos terroristas e dos anarquistas e dos burocratas e de quem quer ser ouvido de uma forma ou de outra: todos eles devem gritar mais alto e falar diferente do povo, da população que teria que ouvir e ao gritarem, acabam se parecendo no grito, gritando da mesma forma, falando diferente mas falando alto, falando de longe e ficando distante e diferente de quem ouve, e se aproximando um do outro, opressor e anarquista.

O bom do V De Vingança, o filme recém lançado, é que mostra muito bem isso numa sequência de arrepiar: Evey, a "mocinha" do filme, vivida brilhantemente pela magrela Natalie Portman, é presa pela polícia e mantida numa solitária sofre pressão psicológica, tortura, tudo pra contar quem é o tal do V, o terrorista mascarado do filme. Ela se esforça, sofre e não conta. Depois de muito tempo sofrendo, ela um dia é solta de sua cela e descobre que quem a estava torturando era o próprio V. Fica bem brava e parte, se sentindo traída e usada. Nesse momento fica bem claro que os meios independem do lad, se do lado do "bem" ou do lado do "mal", as pessoas sempre usam das mesmas formas para conseguirem o que querem.

Essa na minha opinião é uma sequência crucial para um filme que muito atacado antes mesmo da sua estréia pelo criador dos quaddrinhos que renegava a película porque o roteiro fugia muito da história original. Adoro Moore, mas ele tem se mostrado cada vez mais e mais ridículo com esse tipo de comentário. Todo filme novo baseado em sua obra é atacado por ele antes mesmo do lançamento. E mesmo assim ele continua vendendo os direitos de suas histórias para o cinema. Então, ô mala, ou cala a boca ou pára de encher o bolso de dinheiro, porque é fácil falar isso tudo sendo milionário, né?

Uma outra coisa que me irrita muito e que cada vez mais eu tenho lido por a, principalmente dizendo respeito a esse filme, é o termo "liquidificador cultural" ou " caldeirão cultural": é só lançarem um filme baseado em quadrinhos que lá vêm os críticos dizerem que o diretor é multi referencial, que é super ligado em tudo o que acontece de nvoo pelo mundo, que é pop e o caralho! Pelo amor de deus: isso é o mínimo que se espera de um diretor de cinema nos anos 2000's, que pelo menos leia quadrinhos, ouça música pop, vá ao circo e saiba o que aconteça no mundo ao seu redor. Tenho certeza que no começo do século passado, os diretores de cinema eram os caras mais antenados e ligados no que acontecia pelo mundo em geral, no mundo pop mesmo. Mas as pessoas sempre esepram uma erudição besta e explicações bestas para tudo. Às vezes as erudições e as explicações estão na sua cara e você só não as enxerga porque não quer.

Voltando ao filme: o elenco desse filme é um primor, só ator inglês fodão em papéis muito bons, como Stephen Rea fazendo o policial investigativo e dócil, John Hurt fazendo um ditador orwelliano que lembra muito seu papel em 1984 misturado com um hitler à lá The Wall, Stephen Fry como um gay apresentador de tv que quando resolve ir contra o sistema é capturado pelo "homem do saco", e fazendo o grande papel de sua vida depois do travesti de Priscila Rainha do Deserto, o grande Hugo Weaving como o doido mascarado que assombra a Londres oprimida em um futuro próximo, onde os Estados Unidos se tornaram um problema para o resto do mundo com sua guerra civil e sua perdição iniciada pelo governo Bush. Sim, o filme é crítico, não é só um filme de ação e explosões. Tá, pode dizer que a crítica é rasa, besta, mas tá lá, só não vê o que tá escondido atrás dos detalhes quem não quer.

Natalie Portmann é uma garota filha de pais mortos numa tentativa de revolução que não levou a nada, cai por acaso nas graças do mascarado e com ele acaba se unindo enquanto a paranóia de tempos sombrios a deixa aguentar. Evey, sua personagem, é frágil e forte ao mesmo tempo, é franzina e parece uma gigante com um spray de pimenta nas mãos. E não poderia ser mais diferente do mascarado com quem vai acalorando uma relação de paixão, medo, confiança, temor, tudo muito ambíguo. Esse mascarado é mostrado várias vezes no filme como o produto de uma experiência médica mal realizada avalizada pelo governo ditatorial, meio que nos moldes dos nazistas. Ele aparece saindo do meio do fogo, meio que renascendo das cinzas e dali saindo forte e poderoso para começar a lutar contra quem o transformou no que é hoje. Já Evey, renasce na água, numa chuva, descobrindo que sua força é mais pura que a dele, mais diferente impossível, e ao mesmo tempo complementar, porém, um complemento perigoso: a água não vive com o fogo e vice-versa. Essa cena, aliás, é uma das referências lindas do filme: muitos filmes geniais têm sequências em cima de telhados, sob a chuva, para selar destinos e resolver questões importantes e fundamentais, dentre eles O Fantasma do Paraíso e Blade Runner. E é de Blade Runner, aliás, que viem as maiores referências visuais desse V: o povo andando com os guarda-chuvas pretos na rua, o botânico com lente de aumento modificando uma orquídea e essa cena do telhado linda linda.

Por fim, o mais bacana é que o filme foi dirigido por James McTeigue assistente de direção dos Wachowski e não pelos próprios como sempre se apardeou.

Que venham mais!

2006-04-19T14:22:00.000-03:00

REVIRAVOLTA
Reviravolta é um filme bem estranho do Oliver Stone.
Ops, filme do Stone é estranho e ponto.
De qualquer maneira, U Turn é um dos poucos e raros filmes bacanas do Stone, apesar de ser longo e meio chato pelo meio.
Sean Penn e Jennifer Lopez formam o par central com ótima química no filme de marido que quer matar mulher e chama um perdido que se apaixona por ela e tenta matar o marido que tenta de novo matar a mulher e o cara e bla bla bla.
Já vimos esses filmes milhares de vezes nos anos 50's, mas Stone faz uma versão moderninha com câmeras tortas, granulados, cortes bruscos, resquícios ainda do Assassinos Por Natureza.
Mas o filme é bacana, bem humorado, bem fotografado e... premonitório!
(pelo menos no meu mundinho particular, isso é bem premonitório)
Joaquin Phoenix faz o papel de um rebeldezinho sem causa encrenqueiro que se chama TNT, obviamente.
Mas o engraçado da história é que sempre que ele entra em cena toca Ring Of Fire, do Johnny Cash!
Meeeeeeedo!
E só!

2006-04-18T13:13:00.000-03:00

ARMAÇÕES DO AMOR
Ontem segui minha esposa e fui ao cinema ver o petaaaaaaaaaaaaaaaaardo Armações do Amor, a bomba estrelada pelo texano-machão-duro-de-se-mexer Matthew McConaughey e com a eu-quero-ser-a-Jenniferanniston Sarah Jessica Parker.
Bom, o filme é inominável: comédia romântica já com pitadas de influências de Quem Vai Ficar Com Mary nas piadas baixas.
Assim sendo, imagine um filme fofo de amorzinho cum a Gloria Pires e o Dan Stulbach com os Trapalhões de atores coadjuvantes: esse é o nosso filme. Ops, nosso não, deles!
A história gira em torno de um cara de 35 anos, bem sucedido entre aspas, na vida, que mora com os pais e é feliz com isso. Ele diz que não quer crescer, não quer compromisso, não quer virar adulto.
Assim sendo, vemos ele chegando em casa numa Porsche e logo após vemos a mãe limpando o quarto dele e lavando sua cueca.
Ele sai com mulheres bacanas, interessante e quando quer terminar o namoro, leva pra dormir na casa dele: assim elas descobrem que ele ainda mora com os pais e pulam fora.
Ele tem 2 amigos que também moram com os pais e assim tema cena dos 3 conversando e se justificando mais uma vez do porquê da opção familiar.
Depois temos a sequência do churrasco dos pais de todos eles conversando como sofrem por terem os filhos ainda em casa, afinal, eles já estão aposentados e nessa altura de suas vidas não querem mais os filhos sob suas asas. Temos até nesse ponto um casal que consegua mandar o filho embora e para comemorar, vai pro Hawai e faz uma tattoo do deus-da-fertilidade e não param mais de transar.
E daí vem a dica: uma profissional de relacionamentos, uma mulher interessante, que faz os homens se apaixonarem por ela e assim eles se animam em ter uma casa só deles.
Entra a Sarah na parada.
Problemas: fora o roteiro ser um amontoado de clichês, o casal principal está 10 anos velho demais. Os amigos de ambos, Sarah e Matthew, parecem ter 10 anos a menos fácil que cada um deles. As rugas que tão aparecem nos closes são cruéis.
Piadas bestas, planos ruins, fotografia bem sem graça, trilha fraquinha, previsibilidade infernal, um ator principal que não consegue mover as mãos e os braços de uma forma razoável.
E o pior de tudo pra mim ainda é a Sarah: ela quer ser a Jennifer de qualquer maneira. Até cortou o cabelo igual pra ver se acontece alguma coisa, mas nada.
Não que a tal da Jennifer seja a oitava maravilha do mundo, mas a Sarah é pior ainda!
Bom, evitem passar na frente do shopping que tiver esse filme em cartaz em alguma sala do multiplex.

2006-03-27T15:11:00.000-03:00

UM PLANO PERFEITO
Ai ai ai!
Como é bom ver filme bom!
Um Plano Perfeito do Spike Lee é tão bom, mas tão bom que no meio da projeção eu fiquei em dúvida se o filme era tão bom mesmo ou se eu estava sonhado.
O roteiro é magnífico, um filme de assalto perfeito com um elenco extraordinário e com uma direção tão bacana, tão bem cuidada que te deixa de boca aberta durante o filme todo.
O bom de filmes assim, com roteiros tão bem escritos e com um diretor tão fodão por trás, é que tudo acaba sendo bom, das atuações à trilha sonora, da fotografia à decupagem.
Não tenho certeza, mas provavelmente esse filme não é um projeto pessoal de Lee, mas sim do produtor Brian Glazer, que deve ter acahado o roteiro e entregou nas mãos do cara fodão.
Ponto pra ele, Glazer, que ao invés de pegar qualquer desses diretorzinhos porcaria de filmes de ação bestas americanos, resolveu pegar um grande diretor.
A gente vê a mão de Lee no filme todo, em detalhes, como no elenco e nos personagens, mostrando o multiculturalismo e mulitracial de NYork.
Uma única cena do filme me incomodou, mas eu a vi como uma piada interna: no momento que o ladrão Clive Owen chama o policial Denzel Washington para conversar dentro do banco, Lee coloca seu ator chave num travelling, como se ele pairasse sobre toda a papagaida que rola em sua volta. Essa cena, eles já tinham feito em Malcolm X, num momento chave que é quando o mesmo Washington no papel principal vai fazer o discurso que ele é assassinado.
Lá era bacana, aqui fica estranho, o momento dramático é outro bem diferente.
Mas isso é só um pequeno detalhe num mar de maravilhas cinematográficas.
Uma dessas maravilhas é Jodi Foster num papel coadjuvante de luxo. E isso só consegue uma dupla do calibre Lee/Glazer.
Que delícia!
Se tivéssemos um filme desses por mês, nossa vida seria muito melhor.
Com certeza!

2006-03-12T20:26:00.000-03:00

ORGULHO E PRECONCEITO
Eu fico impressionado com a lógica (ou com a falta dela) de Hollywood.
Orgulho e Preconceito é um filme bem besta inglês que teve uma caralhada de indicação pro Oscar desse ano.
Tudo bem que os americanos pagam pau pra os ingleses colonizadores, pela história que eles têm etc.
Mas achar que esse filme tenha mais "valor" do que o grande injustiçado desse ano Marcas da Violência é um absurdo!
A história é aquela mesma que já conhecemos de ooutras versões no cinema da menina pobre e inteligente que conquista o rico e inteligente Mr. Darcy, tão famoso por seu ar de superioridade.
Nesse caso, a menina é a atriz Keyra Knightley, a revelação do cinema inglês que estourou em Hollywood em Piratas do Caribe.
Ela é boa, bonitinha e foi eleita a mais bem vestida da festa do Oscar desse ano (se é que isso quer dizer qualquer coisa).
Mas vemos também os paga-paus ianques indicando ano após ano a grande Judy Dench que rouba praticamente as cenas de todos os filmes que participa.
De qualquer maneira, os ingleses tentam fazer uns filmes bacanas e de vez em quando, bem de vez em quando, acabam conseguindo alguma coisa interessante.
Bom, de vez em quando mesmo, acho que os últimos interessantes foram filmes de máfia inglesa. Na verdade, acho que mais que filmes bons, alguns grandes atores têm saído da ilha como o novo 007 e a oscarizada dirigida por Fernando Meireles.
Assim sendo, Orgulho e Preconceito é mais um desses filmecos bem dirigidos, com luz boa e direção de arte interessante com uns atores diferentes dando tudo de si. E com uns atores fodões em papéis menores se sobressaindo de todos os outros como o casal Donald Sutherland e Brenda Blethyn e a já citada Judy Dench.
Aliás, Dame Dench deve ser a recordista de papéis de "dama" no cinema inglês: todo filme com uma baronesa, condessa, rainha, ou qualquer coisa que o valha, tem a atriz em algum papel, por menor que seja.
Nesse caso, ela é de novo uma ricaça com um título nobre num papel mínimo e relevante.
Mas nada disso salva o filme: longo, sem graça, mas com uma trilha sonora bem bacana.
O velho e bom "bonitinho mas ordinário". Acho que deveria ter entrado na sala do lado e assistido Firewall, pelo menos lixo assumido!

2006-03-06T12:57:00.000-03:00

OSCAR 2006
Aqui vai minha indignação com a premiação do Crash!
Lixo, lixo, lixo!
Numa noite que premia Reese Whiterspoon melhor atriz onde até a própria diz que ela nem em seus sonhos mais absurdos imaginaria estar lá com o prêmio nas mãos.
Na noite que premia um rap porcaria (tá bom, pleonasmo) como melhor canção e onde o próprio apresentador Jon Stewart diz que não se conformava dos rappers tinham ganho e Martin Scorcese nunca ganhou nada!
Numa noite que premia um filmeco sul africano como melhor estrangeiro e releva o grande Paradise Now!
Priemios óbvios e bacanas: Capotte melhor ator, roteiro para Brokeback Mountain e diretor pra Ang Lee.
E a linda e talentosíssima Rachel Weiz como melhor coadjuvante.
Mas premiar Crash melhor filme, é o grande sinal do poder do lobby anti-gay, na minha opinião!
Na minha opinião, foi sacanagem mesmo numa noite que premia Robert Altman com um Oscar pelo conjunto da obra, o cara que fez todos os filmes que o cara do Crash tentou copiar e não conseguiu.
Absurdo!

2006-03-02T18:40:00.000-03:00

CAPOTE e JOHNNY & JUNE
Dia engraçado no cinema: assisti, na volta do carnaval, Capote e Johnny e June, quase na sequência.
E fiquei meio decepcionado com os dois.
Começando com Capote.
O filme é bacana, fotografia linda, direção de arte bacana, direção relax, sem modismos ou estrelismos exacerbados. O que acontece é que a história é muito boa: o já famoso escritor Truman Capote, em 1959, fica sabendo de um crima no interior do Kansas, perto de onde o furacão levou a Dorothy, e acha que a história daria uma boa matéria para a revista que ele escrevia. Vai pro tal fim do mundo e descobre que a história daria, na verdade, um livro.
(Se ele morasse hoje no Rio de Janeiro, por exemplo, escreveria um livro por semana, senão um por dia.)
Philip Seymour Hoffman dá um show no papel do escritor gay, meio dândi, que se apaixona por um dos envolvidos no crime e faz de tudo, de tudo mesmo, pra conseguir todas as informações que ele quer para escrever seu livro.
Claro que ele ganhará o Oscar, claro que ele continuará ser elogiado por essa performance o resto da vida e claro que um dia ele reclamará do fardo que isso será pra ele, mas com certeza o papel é um presente para um ator bom do nível dele.
O filme na verdade poderia ser uma discussão sobre moral e escrúpulos, mas o diretor e o roteirista preferem centrar mesmo o foco em Capote e suas "técnicas" de persuadir quem lhe interessa, técnicas essas bastante discutíveis, apesar de mostrá-lo chorando bastante em momento decisivo do filme.
Acho que a indicação de Catherine Keener para o Oscar de coadjuvante um exagero, apesar de gostar muito dela, principalmente em filmes como Sendo John Malkovich.
Mas o filme é bacana, vale a pena assistí-lo.
Ao contrário de Johnny e June.
O filme poderia ser maravilhoso, mas é chatinho, careta, acabou sendo uma historinha de amor banal, se não fossee pelo problema das drogas do personagem principal.
O filme é a história de Johnny Cash, o grnade músico americano e seu amor por June Carter, uma famosa cantora "country, com quem excursionava no início dos anos 60's em turnês com os grandes nomes do início do rock como Jerry Lee Lewis, Elvis, Roy Orbinson dentre outros.
A história acaba sendo uma história besta de um astro de rock doidão, casado com 3 filhas, que vindo de uma família pobre, com problemas com o pai, saudades do irmão que morreu na infância, por causa da pobreza, acaba se perdendo no meio do sucesso, saindo com mulheres, tomando pílulas e mais pílulas de anfetamina o tempo todo, brigando com a mulher, sumindo e se apaixona pehttp://www.blogger.com/img/gl.link.gifla colega cantora.
Joaquin Phoenix tá bem bom no papel de Cash, principalmente quando canta, quando faz os shows, daí vemos o quanto ele poderia ser um rock star.
Reese Whiterspoon também dá um showzinho à parte cantando, mas sua interpretação é apenas OK, nada que faça com que seja tão exagerada toda essa adoração a ela recente, inclusive com um papo que seu próximo cachê será de 29 milhões de dólares.
Como assim?
Eu, sinceramente, não via a hora do filme terminar.
E olha que sou fã de carteirinha do velho e bom River Phoenix (de onde veio esse Joaquim?).
Em dois filmes no mesmo dia, que mostram dois fortes concorrentes ao prêmio de ator principal, o saldo acaba sendo negativo.
Tá bom, ficou na média, pelo acting de Hoffman, inesquecível e exemplar.
Mas só.
Pouco demais pra mim.
Quer ver grande atuação de ator, é só ver James Mason em Lolita, meu filme do carnaval!

2006-02-20T15:42:00.000-03:00

PONTO FINAL
When in Rome...
Faça como os romanos!
Woody Allen não consegue mais dinheiro pra filmar na pátria mãe e produz seus dois últimos petardos em Londres.
E já que está na velha terra européia se aproxima de diretores de lá e nos delicia com Ponto Final, seu filme mais francês de todos, um primo irmão dos filmes de Chabrol, na minha modesta opinião.
A história é um mix de drama e suspense e policial com toques de piadas clássicas e cenas recorrentes dos filmes de Allen.
Um jogador de tênis profissional, Jonathan Rhys Meyers, cansado das viagens durante os torneios, resolve dar aula em clube exclusivíssimo de Londres onde conehce e fica amigo de playboy e por razões de idas e viindas do destino, casa-se com sua irmã e apaixona-se por sua noiva.
O casamento com a milionária é interessante o suficiente para que ele o mantenha apesar da paixão que sente pela americana Scarlett Johansson, a atriz aspirante noiva do milionário inglês.
Numa história dessas, pouco podemos contar para que não estraguemos as surpresas do roteiro, e nesse ponto só o que posso dizer é que esse roteiro é genial, muito bem escrito, muito bem montado e muito bem pensado. Uma jóia rara no mar de lama de roteiros porcarias que nos assola!
Quanto ao andamento do filme, sua montagem e seu ritmo, é Woddy Allen em sua melhor forma e com a sua percepção e sua mão fazendo o máximo acontecer e nos ser mostrado na tela.
Fazia tempo que eu não via um filme de Allen sem tê-lo nas telas que o ator principal não fosse um arremedo de seus personagens passados, o neurótico de plantão. Dessa vez Rhys Meyers toma conta da situação e imprime um jovem ambicioso, apaixonado e perdido de forma contundente que nos faz esquecer por momentos o pulso firme do diretor mandando e desmandando.
Diria que sua atuação é o extremo oposto de por exemplo Jason Biggs no fraco Anything Else, onde esse arremedo de neurótico/perdido se faz sobrepor a qualquer outra qualidade do filme.
Enquanto isso, em Londres, Allen chega a níveis de detalhamento de interpretação com seus atores que até assusta.
E em Ponto Final, o papel de neurótica/doida que na maioria dos filmes cabia ao próprio Allen, vai para a já grande Scarlett que faz a mulher que tem a consciência de que todos os homens que a vêem a querem.
O casal tem uma química pouca vista nas telas, para o bem e para o mal: o casal rouba todas as cenas do resto do elenco e na minha modesta opinião, ninguém desse "resto do elenco" deve mesmo ser citado aqui.
Situações constrangedoras para os personagens, diálogos em planos sequência onde um dos atores fica fora de quadro o tempo todo, montagem quase que acadêmica privilegiando sempre o roteiro e o climax do persoangem no momento, marcas registradas de Allen que as repete nesse filme de formas geniais que nos fazem lembrar que já tínhamos visto antes só depois de vê-las e de ter levado o baque da cena em si.
O melhor filme de Allen em muito tempo.
Desde Crimes e Pecados.

2006-01-03T19:30:00.000-02:00

OS PRODUTORES
Nada começar o ano dando risada no cinema.
E muita risada.
Fui assistir, numa tarde de segunda feira quase feriado, com a minha querida, Os Produtores, refilmagem do hilariante Primavera Para Hitler, de Mel Brooks, de com uma das melhores duplas de filmes de todos os tempos, Zero Mostel e Gene Wilder.
Bom, o filme não http://www.blogger.com/img/gl.link.gifé exatamente uam refilmagem daquele de 1968.
Mel Brooks, o gênio, refez seu filme dos anos 60’s para um musical da Broadway.
Com a darling dos palcos Susan Stroman dirigindo, eles refizeram o filme como um musical e usaram a mesma dupla do teatro como par principal do filme: Mathew Broderick e Nathan Lane.
Aqui um parêntese: o que aconteceu com o grande Broderick que nnao se tornou o grande ator de sua geração, ou mesmo o grande astro de sua geração? Curtindo A Vida Adoidado, ou o bom e velho Ferrys Buellers,s Day Off é o cláaaaaaaaaaaaaaaassico dos 80’s! Se alguém tiver uma tese razoável, me diga, por favor.
Ao filme: ele funciona magistralmente. O roteiro é exatamente o mesmo, a história de uma fracassado produtor da Broadway (Lane) que tem uma idéia junto ao seu contador (Broderick) de ganhar muito dinehiro fácil produzindo a pior peça de todos os tempos, um musical contando a história de Hitler.
Pra isso, a dupla procura o pior diretor, uma bicha louquíssima com uma equipe genial de outras bichas caricatas e uma caminhoneira péssima, procura o pior elenco possível, faz de tudo para que dê errado.
E a gente morre de rir!
Duas coisa ótimas do filme: Uma Thurman, como a sueca gostosa e linda dublê de secretária e estrela do musical, linda como nunca. E Will Ferrel, como o doido alemão nazi que escreve a peça em homenagem ao seu fuhrer e fica puto quando ela é deturpada. O mala Ferrel só devia fazer papéis adoidados assim!
Eu tenho a impressão que esse filme deve ter custado mais que os últimos 4 filmes que Mel Brooks fez, com certeza. Mas não é um dinheiro mal gasto, muito pelo contrário.
A dupla, mais uma vez, funciona commo um azeite, Lane o gênio que é e Broderick me deixando com dor de barriga cada vez que ele pegava no seu paninho azul e tinha um ataque de pânico!
Ri muito, apesar do filme ser bem longo, uma praga do atual cinema americano!
Outro parêntese: dos últimos filmes que eu vi no cinema, acho que 90% deles tinha quase 2 horas de duração. Pergunto: pra quê tanto?
Tá tudo muito lindo, quando hoje, passando em frente ao espaço unibanco vejo que estão reprisando o original, Primavera Para Hitler. Como só havia visto esse filme em vhs pirata nos anos 80’s, resolvi conferir em tela grande.
O filme é bem legal também.
De novo, a dupla central funciona muito bem, Mostel é perfeito com sua careca e seu cabelo vindo de trás e se despenteando todo o tempo inteiro e Gene Wilder, ai ai ai, que falta faz filmes com Gene Wilder.
Recentemente morreu o grande Richard Pryor, que fez algumas comédias impagáveis com Wilder, como o estupidamente engraçado See No Evil, Hear No Evil, só nostalgia!
A grande diferença entre os dois filmes, além de um ser um musical e o outro não, é que no filme recente o diretor é gay e usa todo o seu aparato pra transformar Hitler num personagem de cabaré de quinta. Já no filme original, feito nos 60’s, Hitler é interpretado por um ator todo freak, que suas iniciais são LSD, e Hitler ganha esses ares de hippie, que é tão engraçado quanto. O fuhrer fica tão bem desmunhecando quanto chamando todo mundo de “babe”, muito bom!
Com Mel Brooks por trás de tudo, inclusive do filme original, com certeza não seria ruim.
E pra um início de ano, tá muito é bom!

2005-12-21T17:56:00.000-02:00

Só pra deixar as coisas bem claras, eu prefiro o King Kong de 1976.
Lembro muito bem qdo vi esse filme a primeira vez, foi na praia, numas férias.
Meus avós moravam em Santos e minha tia me pegou em casa pra ir pra lá. Meus irmãos e meus primos já estavam lá. Eu devia ter uns 10 anos na época, talvez 9.
Eu me lembro que o filme tinha estreado recentemente e que no Playcenter, o parque que todo mundo idzia ser do Silvio Santos, tinha uma réplica do macaco de 30 metros de altura.
Eu passava todo dia na frente do parque pra ir pra escola e ficava babando de vontade primeiro de ver o filme e depois de ir até lá e tirar uma foto na mão do macaco.
Bom, voltando a viagem, eu me lembro de insistir muito com a minha tia pra sairmos cedo pra eu conseguir assistir o filme no cinema lá na praia. Na época, na Folha d São Paulo saía a programação de cinemas do litoral e do interior, então eu sabia o horário e tal.
Freak mesmo!
Acho que a minha tia não ia ao cinema há uns bons anos, mas ela e meu tio entraram comigo no cinema pra ver o macacão!
Lembro bem que eu cheguei um pouco atrasado, eles já estavam no barco quando entrei no cinema, mas mesmo assim, foi uma das melhores sessões de cinema da minha vida.
Dali pra frente, parecia que o mundo era aquele barco, depois a ilha e depois New York.
Qaundo o filme acabou lembro que minha tia teve que me chamar e dizer pra irmos embora. Ela até um tempo atrás falava disso, que sabia da minha paixão pelo cinema por causa desse dia!
Esse dia foi o dia histórico da minha primeira ereção no cinema!
Sim, pessoas, com 9/10 anos eu tive minha primeira ereção vendo uma loira linda tomando banho nas mãos de um macaco gigante numa cachoeira de uma ilha perdida.
E no fim do banho, quando ele tira a mão da água, com Jessica Lange toda molhada e sopra a musa e ela fica sequinha, eu lembro que eu gritei no cinema.
Esse filme, de 1976, é o responsável por uma das minas grandes taras cinematográficas, que são os filmes de loiras gritando!
Delirei no lixo Celular, com a Kim Bassinger gritando o tempo todo. Na verdade, deliro em todo filme dela, porque ela grita em todos eles.
Aliás, Kim, musa eterna e responsável por outra cena de ereção absurda em L. A. Cidade Proibida, quando Russel Crowe vai visitá-la pela primeira vez e ela com uma camisola branca fica “tentnado “ o policial na porta da casa até deixá-lo desconcertado!
Amo diretores que usam e abusam das loiras.
Corta para sexta feira passada, dia da estréia do novo King Kong, do fodão Peter Jackson, que agora tá magrinho, achei estranho e engraçado, parece que ficou rico e fez operação no estômago, hehehe.
Cheguei cedo no cinema pra não pegar fila e pra não perder de comprar o ingresso e pra minha surpresa não tinha fila.
Achei estranho.
Entramos no cinema e estava quase vazio, nem meia sala cheia.
Achei mais estranho ainda!
Como assim? O evento fílmico do film do ano e ninguém vai ver?
O filme começa bem, com letreiros art noveau, decô, bem anos 30’s.
A fotografia é linda, a direção de arte é linda, tudo é bem bacana, padrão de qualidade P.J. impecável.
Mas o filme demora a acontecer. O início é muito arrastado, toda a história do diretor incompreendido e que faz de tudo pelo seu projeto é uma piada interna meio chata, podia ser mais rápido tudo. Jack Black como o alter ego diretor incompreendido serve para a função, apesar de suas caras e bocas de sempre. Mas aqui vemos a mão boa do diretor que consegue segurar um ator desse nível!
Na verdade, pensando bem , acho que o regime do senhor Jackson deve ter sido pra afastá-lo de ser parecido com o gordinho Jack Black, como era óbvio q houvesse comparação entre criador e criatura, ele deve ter pensado em se afastar o máximo possível fisicamente. A se pensar!
Bom, devaneios bobos a parte, o filme é longo.
Deve ter umas 3 horas mesmo e fica 1 hora nesse embaço de antes da viagem, chato, sem graça.
O bom do filme é a ilha, lá Peter Jackson mostra a que veio, muito mostro, muito terror, muita maquiagem forte nos aborígenes, o paraíso.
A clássica cena da luta do Kong com o t-rex já ficou ainda mais clássica (pode isso?) com a inclusão de mais 2 mostros contra o nosso macaco fofo!
Fofo e apaixonado.
Só que nesse filme, Kong se apaixona de verdade e, como estamos no século 21, o nosso bom e velho Kong é super romântico, gosta de ver o por do sol, aprende a se comunicar com a loira, protégé-a de tudo o que vai aparecendo, e olha que aparece um monte de coisa no meio do caminho deles, de dinossauros e vampiros gigantes (lindos, aliás).
Bom, o macaco é todo feito em CG, mas foi todo construído a partir do ator fetiche de Jackson, Andy Serkis, o cozinheiro do navio. Ele é o cara que Jackson usa pra fazer suas criaturas, pra fazer testes, ele é o Golum do Senhor dos Anéis e agora é o macaco.
Diz a lenda que ele foi pra åfrica pra se familiarizar com os gorilas, estudou movimentos e gestos e tudo mais. E no final das contas, o trabalho dele é magnífico.
O resto do elenco do filme deixa a desejar, por melhores que sejam os atores, quando se tem um personagem tão forte e tão presente no filme como Kong.
O elenco masculino é matador, todos muito bem, Jamie Bell se mostrando o grande ator que já é, Adrien Brody, cool, magrelo, bacana e estranho ao mesmo tempo, e as duas surpresas pra mim, o comandante do barco, o alemão Thomas Kretschmann e seu imediato, Evan Park.
Mas pra mim, a grande decepção do filme é Naomi Watts: nesse filme ficou claro pra mim que ela não possui “star material”, esse era o filme que ela tinha por obrigação se mostrar como uma estrela, linda e fodona. E não rola. Ela é boa atriz, bonitinha, mas é mais engraçada do que glamurosa!
E esse é o filme que precisa d uma loira glamurosa, arrebatadora, que deixe o macaco babando e todos os homens do barco babando também.
Mas não!
Esse filme é do diretor. E do macaco.
Eles imperam.
Kings.

2005-12-05T17:26:00.000-02:00

Em 2000, na Mostra de Cinema de São Paulo, numa tarde de domingo, eu assisti Billy Elliot, filme lindo do estreante Stephen Daldry que acertou em cheio nesse e errou na mosca no chato as Horas.
Mas o que chamou mesmo a atenção foi o Billy Elliot, mais que qualquer outra coisa do filme: quem era aquele moleque, aquele ator que dava aquele show na telona?
Nos créditos, Jamie Bell.
Depois desse filme, eu fiquei com medo do que aconteceria com ele, vistos tantos casos de porcarias que crianças brilhantes na estréia fazem depois por falta de direcionamento.
Mas Bell não se perdeu.
Fez poucas e boas coisas.
Fez Undertow, filme do ano passado que ficou em cartaz nos cinemas aqui acho que nem 2 semanas, bom filme, perdido na programação, com elenco bem bacana e direção firme.
Fez um clip do Green Day que mais parece um curta metragem, When September Ends, onde a história de um casal adolescente é entrecortada pela banda tocando e no final você quer mais saber do casal do que da música, lindo lindo!
Vai estar no aguardadíssimo King Kong do ano que vem, mas enquanto isso, ele é a estrela maior de Querida Wendy, o mais recente petardo dos dinamarqueses Thomas Vinterberg dirigindo e Lars Von Trier escrevendo.
Por esse filme, eu pensei em fazer um abaixo assinado pedindo para que esses dois diretores trabalhassem juntos e dessa forma, um escrevendo e o outro dirigindo daqui pra frente.
Trier ficou chato com a segunda parte da sua trilogia, Manderlay, que é igualzinho Dogville só que sem a chorona Nicolle Kidman, agora com a (outra) chorona Bryce Dallas Howard, que, apesar de boa atriz (mas chorona) é filha do mala Ron Howard, tadinha!
De qualquer maneira, Trier acertou na mosca nesse filme (anti) belicista, com um roteiro absolutamente enlouquecido e que no meio do filme me fez perder um pouco a sensação do que era certo e do que era errado (se é que existem o certo e o errado): numa cidade qualquer dos EUA, numa época qualquer, um bando de garotos perdidos (garotos são sempre perdidos, foi uma redundância intencional, para enfatizar) se une formando um clube fechado por suas paixões por armas de fogo.
E é claro que as coisas não acontecem como eles esperam, mais por acasos (destino, sincronicidade) do que por descuido (acaso, destino, sincronicidade também).
No final, o que acontece é o que deveria ter acontecido desde sempre e a forma como acontece e como deveria acontecer mesmo.
Jamie Bell é o garoto que compra uma arma de brinquedo para dar de presente a um amigo e, ao deicidir ficar com a arma, começa nutrir um carinho pela mesma e descobre que na verdade ela é uma arma de fogo de verdade, não de brinquedo como imaginava.
Ao conhecer outro garoto com o mesmo amor por sua arma, funda o tal do clube dos Dandys, um clube fechado, quase que uma sociedade secreta onde o amor por armas de fogo é o amálgama.
Mais garotos e garotas se juntam ao “clubinho” e, mesmo se dizendo pacifistas, mesmo adorando as armas e as conhecendo a fundo e as desmontado, e as venerando, as coisas vão caminhando pra uma outra percepção de realidade, diferente do que os Dândis esperavam.
Muito tem se falado do novo Harry Potter (que é muito divertido) como sendo um filme sobre a passagem da infância para a idade adulta, onde é mais fácil lutar com um dragão a convidar uma garota para o baile da escola.
Harry Potter é um filme para adolescentes, parece que feito por adolescentes, por ter uma profundidade de um pires. Já Querida Wendy, é um filme que mostra o quanto adolescentes sofrem, se perdem, criam seus mundinhos e quse sempre descobrem que esses mundinhos não servem efetivamente pra muita coisa.
Quando têm que enfrentar a realidade, a vida com os adultos, entrar e funcionar pelas regras da chamada sociedade, descobrem que nada, ou quase nada do que acreditavam funciona de verdade.
A adaptação é algo doloroso e traumático e no mundo do filme de Vinterberg, as coisas são mais difíceis e doloridas ainda.
Saindo de uma bomba que foi Dogma do Amor (o nefasto título em português já previa a bomba), Querida Wendy consegue mostrar o quanto o Vinterberg do ótimo Festa de Família tem fôlego pra fazer filmes geniais, mesmo que com o dedo do doido Lars Von Trier por perto.
Aliás, os dois filmes bons de Vinterberg tiveram o dedo de Trier.
A se pensar muito!

2005-11-24T13:12:00.000-02:00

Um filme nacional.
Na verdade, O filme nacional: “Cinema, Aspirinas e Urubus”, do grande Marcelo Gomes.
Bom, como eu não sou crítico de cinema e só escrevo aqui porque gosto mesmo, não tenho acesso a detalhes de produção, aos press releases. Mas fico sabendo de coisas lendo os jornais, lendo na net e com conversas com amigos.
O que eu fiquei sabendo é que essa maravilha de filme demorou quase 6 anos pra ser feito!
Enquanto isso, no Rio, são feitas bostas e bostas em película aos borbotões!
Mas “Cinema, Aspirinas e Urubus”é, ao lado de Cidade de Deus, sem a menor sombra de dúvida o melhor filme feito no Brasil nos últimos 20 anos. Talvez 30 anos!
Li na folha no domingo, o diretor Marcelo Gomes escrevendo uma resenhazinha sobre o filme (citado por mim no texto do Flores Partidas) “O Gosto de Cereja” do mestre Kiarostami. E como eu disse lá embaixo, esse filme pra mim é o marco do cinema lento/iraniano, o grande filme dessa leva.
Diz Marcelo que se encontrou com Abbas em Cannes esse ano e o mestre disse a ele que tinha vista “Cinema, Aspirinas e Urubus” e que este tinha o mesmo problema dos filmes do iraniano, nada acontecia. O brasileiro diz que esse foi o melhor elogio que ele poderia ter recebido de alguém, ainda mais do grande Abbas.
E é a mais pura verdade: na demais acontece nesse filme, a não ser uma linda história de amizade que ultrapassa as barreiras e os limites que vai encontrando pela frente.
O filme começa bem, se desenvolve lindamente e termina de uma forma magnífica.
E tudo no filme é de extremo bom gosto: a fotografia que já virou referência, a direção de arte crua, realista e ao mesmo tempo super elaborada, a trilha pertinente que funciona muito bem e que sabe onde e quando se calar, a direção precisa, principalmente com o elenco de apoio de não atores (a sequência com as prostitutas é uma aula de acting!).
Agora, o grande trunfo do filme é, sem dúvida, o par de atores principais: Peter Ketnath e João Miguel.
O alemão Ketnath faz um alemão que no início dos anos 40’s roda com um caminhão pelo interior do nordeste divulgando e vendendo a Aspirina. Ele pára pelos vilarejos, arma um cirquinho na praça, projeta uns filmes mostrando paisagens brasileiras e vendendo seu peixe.
Numa dessas paradas conhece um “local”, interpretado com maestria pelo baiano João Miguel, que se oferece para ser seu assistente.
A partir daí, os dois se embrenham mais ainda pelo sertão, pelo pó, pelo calor, pelo árido e seco, onde a amizade dos dois, de duas das mais distintas pessoas que poderriam se encontrar nessa paisagem inóspita, poderia crescer e dar frutos.
Um filme que não acontece nada e um filme que você não espera que muito aconteça. Mas também um filme que não precisa de muito pra te deixar feliz e satisfeito, no meu ponto de vista, a intenção primordial e final de todo e qualquer filme: deixar o espectador feliz e satisfeito por tê-lo visto. E não digo feliz no sentido de lição de moral, ou história prazerosa, digo no sentido da felicidade por ter visto o filme mesmo, da satisfação de ter gasto o dinheiro do ingresso.

2005-11-23T13:30:00.000-02:00

“TransAmerica” só não é o filme do ano porque esse é o ano Cronenberg.
Mas TransAmerica é um filme genial, feito com pouco dinheiro, nos EUA e apesar desses dois componentes que atrapalhariam, me deixou de queixo caído.
O filme conta a história de Bree, um travesti que está a poucos dias de fazer a operação de mudança de sexo, indo em visitas constantes a sua analista e trabalhando em casa como vendedora pelo telefone.
Nada melhor que esse emprego para uma pessoa que já está na fase que não é mais homem e ainda também não é mulher, com o corpo estranho, a fisionomia estranha, com muita maquiagem e com as roupas erradas.
Escondida em casa consegue vender mais do que batendo de porta em porta.
E um dos seus méritos é ter mais uma vez batido a cota de vendas do mês.
Um dia ela recebe um telefonema da polícia de Nova York (ela mora em Los Angeles) que diz que seu filho está preso e que ele (sim, ele é o pai de um adolescente) e que ele deveria ir ajudá-lo.
Ela conta pra sua analista que lhe diz que enquanto ela não resolver esse “probleminha” ela não vai autorizar sua operação, ela chora muito e resolve voar pra NY.
Chegando lá, encontra o moleque, que estava preso por prostituição e porte de drogas, e resolve ajudá-lo dizendo que é uma freira de alguma congragação e o moleque resolve ir pra Los Angeles com ela.
Ao invés de avião, eles compram um carro velho e decidem cruzar o país.
Mais um road movie.
Mais um filme de encontros e desencontros.
Mais um filme de descobertas e aprendizados.
Não!
O filme é tudo isso sim, mas não é mais um.
É o filme!
Começa pelo elenco: Felicity Huffman faz a transexual de uma forma tão linda, tão perdida e tão sofrida que no início do filme, eu não me lembrava que ela era a atriz do filme e eu fiquei pensando quem era o ator horroroso que tava tão bem. Ela é uma atriz das desconhecidas, que faz o Desperate Housewives, anhou um Globo de Ouro esse ano pela série e é genial na tv. No meio do filme eu comecei a reconhecê-la e quando me lembrei dela eu fiquei mais chocado ainda. Claro que grandes méritos vão ao diretor do filme Duncan Tucker, mas a atriz, se não é um gênio, não segura a onda de um papel tão complexo desses.
Mais do que contar o filme, contar tudo o que acontece, das trapalhadas, da aproximação dos dois, da revelação do parentesco, do encontro da família dele(a) quando sua irmã a vê junto com os pais e diz “que bom que você passou por aqui desse jeito, agora eles pegam de pegar no meu pé”, porque no fim das contas, pra eles, nada poderia ser pior do que um filho transexual.
O roteiro do filme é genial, vai aos pouquinhos deixando pai e filho em situações que os aproximam e os afastam, mas que de uma forma ou de outra faz com que se conheçam e aos poucos se entendam., causa os estranhamentos que causariam numa situação como essa e se desenrola muito bem.
Kevin Zegers, o ator que faz o filho também dá um show interpretando o doidinho, drogado, michê que aos poucos vai relaxando e entendendo sua companheira de viagem.
Cena genial é a do momento que o menino descobre que a mulher é homem, quando eles param na estrada, ela vai urinar e ele vê pelo retrovisor que ela tem um pau grande escondido.
Num filme desses, uma das grandes coisas pra mim são os tipos que eles vão encontrando pelo caminho, na viagem e TransAmerica não decepciona: transexuais, índios, um loiro-a-la Brad Pitt em Thelma e Luise, de tudo um pouco.
Filme lindo, bem filmado, atores maravilhosos, direção corretíssima: apaixonante!
Assita!
Isso é uma ordem!

2005-11-22T17:54:00.000-02:00

Infelizmente, o cinema vive de modas e fases e até de modinhas.
O que é o pior de todos: as modinhas.
Nos últimos anos,pra mim a pior delas é a do filme iraniano.
Eu explico.
Os filmes iranianos são chatos por excelência.
Monótonos, mal fotografados em geral, com aquele ranço de “Ladrões-de-Bicicleta-eu-amo-o-Rosselini” que só nos chateia.
Claro que temos excessões.
Raras, mas que existem, como o grande Abbas Kiarostami: O Gosto de Cereja é um dos grandes filmes dos últimos anos.
Mas nesse caso, é um grande diretor, com pleno domínio do “fazer cinema”, e não um bando de diretores que ficam sabendo do sucesso do mestre Abbas e acham que imitando conseguem sei-lá-o-quê.
Se não bastassem os filmes iranianos feitos no Irã, temos a praga dos filmes iranianos feitos for a do Irã.
No Brasil na minha modesta opinião, o mais iraniano dos cineastas é o Walter Salles: Abril Despedaçado é a mais absurda mistura de um filme iraniano feito por um diretor de publicidade. A cena final do Rodrigo Santoro, lindo, de cabelos esvoaçantes, olhando o mar, me deixou com dor de estômago e quase fez meu maxilar cair de tanto rir.
Menos pior do que um Walter Salles, que entrou de cabeça no Irã e tenta não sair d lá com todas as suas forças, são os diretores que fazem um filme “inspirado” nos ares iranianos.
Primeiro cito “Straight Story” de David Lynch, um filme iraniano por excelência mas que não deixa de lado o diretor que o fez: enxergamos no filme todo o seu universo bizarro, surreal e de tirar nosso fôlego. Mas mesmo assim está lá um exotismo oriental. Esse é um exemplo de inspiração boa.
Já o oposto se deu com Gus Van Sant e seu ridículo “Gerry”, o pior filme iraniano de todos os tempos, feito ou não por um diretor nascido no oriente médio.
Tudo bem que Van Sant faz filmes bacanas, ganha Cannes e a HBO o ama e dá dinheiro pra ele fazer qualquer coisa. Mas pra tudo tem um limite, eu acho. O dia que ele teve a estapafúrdia idéia de se juntar com o mala do Matt Dammon e dali saiu Gerry, alguém devia ter dito pra ele relaxar, por favor.
Esse filme consegue ser pior que uma sessão initerrupta do Balão Branco, O Jarro e todos os filmes da família Makhmalbaf, incluindo pai e filhas.
Citei esses dois filmes e fiquei no empate: dois diretores “independentes” americanos fazendo filmes com a mesma inspiração, um bom e um ruim.
Pra desempatar, chega aos nossos olhos, Flores Partidas, de Jim Jarmusch.

E saímos perdendo: 2 a 1 pros filmes ruins.
Eu acho que o ótimo Jim Jarmush, que nos deu de presente Ghost Dog, teve um surto psicótico-preguiçoso e resolveu chamar o Bill Murray e pediu pra ele fazer igualzinho o filme da Sofia (Lost In Translation) porque ele tava com preguiça de dirigir.
Bom, daí eu pensei que ele fosse se preocupar com o resto do elenco, ou pelo menos com o elenco feminino do filme, importante no desenrolar da história. Que nada! As ótimas atrizes estão fazendo meio que o que elas querem, super caricaturais, desde o acting até a caracterização de cada uma.
É um road-movie que sai do nada e chega no lugar nenhum.
Bill Murray é um “don juan”, conquistador de mulheres lindas e interessantes (como assim?????) que no início do filme leva um pé na bunda de uma preguiçosa Julie Delpy, ao mesmo tempo que recebe uma correspondência de alguma ex-namorada dizendo que ele tem um filho adolescente e que o menino precisa da ajuda do pai, porque está perdido.
Sem remetente, sem dica nenhuma de quem mandou a tal carta, ele pede ajuda ao vizinho que bola um plano genial de ir na casa de todas as 4 ou 5 ex-namoradas que poderiam ser a mãe do rebento.
Bom, don juan que só teve 5 possibilidades de ter um filho, por favor!
As atrizes perdidas, suas ex-namoradas, não sabem a que vieram: Sharon Stone, Tilda Swinton, Jessica Lange, Frances Conroy, o maior desperdício de um excelente elenco feminino do ano!
E depois de todo o percursso, os encontros e desncontros (!!!) do filme, ele tem um papo com seu possível/suposto filho num mercadinho, papo filosófico tão profundo quanto um adesivo das Gotas de Pinho Alabrada, tanto que o moleque sai correndo do freak que puxa papo com ele.
Incompreenssível pra minha percepção!
E o filme ganhou um super prêmio bacana em Cannes esse ano e tudo!
Vai saber.

2005-11-21T12:20:00.000-02:00

“Bem, estamos aqui novamente…”
A locução do Polly Shop se ouve ao longe.
E aqui estamos novamente, pelo menos estou eu novamente, com o compromisso diário de falar de cinema de novo.
Chega de palhaçada de escrever e não postar.
E pra volta, quero falar do melhor filme do ano: MARCAS DA VIOLÊNCIA (A History Of Violence), do meeeeeeeeeeeeestre Cronenberg.
Começo com uma pergunta: quem filma hoje melhor que esse cara?
Pelamordedeus!
Ele conseguiu fazer mais um filme de monstro, absolutamente diferente de tudo o que ele já havia feito antes e chocantemente igualzinho!
Enquanto eu via esse filme, num sábado à tarde, no meio da maratona da Mostra de Cinema de São Paulo, ficava pensando, nos momentos que não era metralhado por imagens geniais, planos simplesmente memoráveis e atuações deslumbrantes, pensando no quanto alguém tem que se dedicar, treinar, filmar, ler, ouvir, estudar, pra fazer um filme desse nível!
Enquanto o filme ia avançando e eu ficando mais e mais chocado e abestalhado, mais eu ficava com vontade de chorar de alegria por estar presenciando uma obra de arte, qua vai ser lembrada pelo resto dos dias no seu atual momento de realização e de exibição. Raro isso. Sempre imaginei o quanto poucas pessoas são felizes através dos tempos de presenciarem esses momentos de genialidade. Porque é fácil hoje entrarmos num museu e nos depararmos com a Monalisa ou com os Van Goghs nas paredes já mastigadinhos pra nosso deleite.
A magia é descobrir essas obras no hic et nunc, no momento da sua criação, e aquele sábado foi esse momento iluminado da minha vida.
O filme começa com uma sequência que poderia ter sido filmada pelo Tarantino, ou pelo John Woo em seus dias bons ou até pelo Tony Scott, se não fosse pela frieza da direção de atores e pela crueza dos closes. Em 5 minutos de filme eu já havia perdido a respiração umas 3 vezes. E isso era o prólogo quase relax do que vinha pela frente.
Um aconteciemnto violento, numa cidadezinha banal de algum rincão perdido de terras estadosunidenses faz com que o pacato e caseiro e familiar dono do café local, ao salvar seu restaurante e seus companheiros de um assalto, se torne não só o herói local, mas um herói da mídia tão voraz por heróis e afins e que apesar dos pesares, seja reconhecido e descoberto não pelos ávidos jornalistas atrás de qualquer história que renda umas parcas entrevistas, mas que seja re-descoberto por fantasmas de seu passado que tantou com sucesso, até então enterrar.
O que era um filme de ação ou um policial, se torna um filme de terror, com o monstro ressurgindo na calma que reinava.
Só que esse monstro não sai alien de dentro de uma barriga e nem mesmo faz com que no protagonista cresçam asas de moscas ou qualquer coisa parecida.
Esse monstro é apenas o passado secreto e escuro/escuso de um homem, que tinha sido deixado de lado pel sua própria paz de espírito. Acontece que ele não foi enterrado o suficiente, pois ao primeiro sinal de perigo, ele volta à tona.
Pode-se até dizer que foi o instinto de proteção, mas que ele volta rapidinho , volta.
E as mudanças não ocorrem apenas com ele, mas também com quem o rodeia, principalmente sua família.
Sua mulher, seu filho, sua filha, ninguém escapa das transformações.
O monstro, além de predador, é contagioso.
Viggo Mortensen mostra aqui como “o monstro” que é sim o melhor ator americano vivo.
E que Maria Bello, sua esposa no filme, é a atriz que todo diretor queria ter em seu filme. Ela tem o escopo das atrizes do Altman, do Hitchcock, os diretores que gostam de filmar mulheres.
Ela é a atriz que faz nu frontal, que faz cena de sexo violento na escada e que beija de língua com baba saindo da boca.
Essa é a nojeira de Cronenberg.
Nesse filme ele trocou as gosmas das moscas e os sangues dos gêmeos pelas babas e pela putaria, pela buceta dela e pela foda com força.
Se for chocar hoje o público, tão acostumado a terrores japoneses e suas refilmagens banais, que mostre a pubis e a língua num beijo.
GENIAL!
E no fim, acaba sendo um filme de acerto de contas com o passado que termina com mais um prato na mesa de refeição.
Mais aterrorizante impossível.

2005-08-18T18:33:00.000-03:00

Lucrécia Martel pra mim é um mistério.
Uma diretora tão incensada, tão amada, tão hype e eu acho tão porcaria seus filmes.
Entendo um monte de coisas dela: o discurso feminino, a estética “humanista” (onde eu prefiro um milhão de vezes os filmes do francês Bruno Dumont), o ritmo francês dentre outras coisas.
Só que pra mim seus filmes não descem, sempre fica faltando alguma coisa e eu ainda enxergo um pouco de recalque no que ela mostra.
Um exemplo é o uso contínuo e exagerado das piscinas em seus filmes, que coisa chata: e a mulherada nada, e os homenss nadam, e sai da piscina, e liimpa a piscina e arruma a piscina e que saco.
Já li da volta ao útero, um monte de teoria chata também.
E daí eu chego de novo à conclusão que cinema com teoria é muito chato mesmo.
A única coisa que eu gostei do A Menina Santa foi o elenco, muito bom mesmo. A tal da menina santa é linda e talentosíssima (tô com preguiça de procurar no imdb o noome dela), dá um show sofrendo por achar que o destino dela é servir a um molestador.
Já o molestador também foi escolhido a dedo e foi a melhor escolha do filme: um ator ótimo e horroroso, não o típico molestador bonitinho que se esperaria nesse caso.
Mas eu queria que logo, alguém me contasse porque esses filmes são legais, O Pântano e A Menina Santa.
E porquê essa argantina é tão fodona assim.
Se é q são!

2005-08-11T19:03:00.000-03:00

Noite passada eu tive uma lição de cinema. Na verdade, na minha opinião, tive uma lição de anti-cinema, no melhor dos sentidos.
Fui assitir ao lindo Camelos Também Choram, um filme ítalo-mongol, feito por dois diretores estreantes como trabalho de conclusão de curso da escola de cinema na Alemanha.
O filme é um misto de drama e documentário e filme iraniano e filme neo realista e sei-lá-mais-o-quê.
E funciona.
E pra ser bem sincero, funciona apesar de tudo.
Acho que o maior mérito do filme seja sua linda história, que é a de uma camela (camelo fêmea???) no deserto de Gobi, na Mongólia, que ao parir seu filhote, o rejeita totalmente, não dando carinho e não deixando que o “infante” nem mesmo mame em suas tetas.
Os camelos “astros” do filme pertencem a uma família que vive no meio do deserto e que sobrevive por causa do seus rebanhos de camelos e de ovelhas. Eles dependem tanto dos animais que num momento do filme, dois dos filhos vão até a cidade (???) mais próxima e o menor se encanta com um desenho que está asissitndo na tv e diz ao maior que vai pedir ao pai que compre uma tv, quando o maior diz que uma tv custaria muitas ovelhas e que a energia pra fazer com que ela funcionasse custaria muito mais. Ouvindo isso, o menor se cala.
O filme tem problemas como enquadramentos primários, fotografia bem mais ou menos, trilha chata.
E o grande problema do filme é seu ritmo que é lento como o ritmo do deserto do Gobi deve ser.
Mas nós não estamos no deserto do Gobi!
Começar um filme de uma forma mais parada,mais tranquila, mais comtemplativa, pra dar uma noção do modo de vida dessa família, mostrando onde vivem e como vivem é uma coisa.
Mas não cortar finais de cena o tempo todo, o filme inteiro, irrita e cansa.
Claro que opções estéticas são tomadas num projeto e levadas a cabo, mas existem as certas e as erradas, as que ajudam e as que atrapalham.
Eu acho isso o grande problema da “tradição” do cinema iraniano dos anos 90’s: um cinema parado, contemplativo, mostrando o quanto a gente tem que pensar no que acabou de acontecer pra começar o resto do filme.
Coisa chata!
E nesse filme acontece exatamente isso.
Mas apesar de chato, é lindo.
A história da camela que rejetia o filho e que passa por um ritual para cuidar do filhote.
Resumindo: vale a pena assistir o filme se você está num estado de espírito bom, calmo, tranquilo.
Em qualquer outro caso, assista qualquer outra coisa.

2005-08-01T13:09:00.000-03:00

Muito filme visto, muita coisa escrita, nada publicado.
Tô passando por uma fase meio deprê e nõa gosto de mostrar as cosias nesses dias.
Mas mesmo assim eu acabo forçando a barra e fazendo isso que eu tô fazendo agora.
Se eu pensar mais um pouquinho eu não publico, mas vamos lá.
Por bem ou por mal sai isso aqui!
E ainda por cima é pra falar de um dos filmes mais esperados do ano A Fantástica Fábrica de Chocolate.
Depois de assistir a versão do graaande Tim Burton, eu descobri o quanto eu amo o filme de 1971 com Gene Wilder como Mr. Wonka e o genial Road Dahl como roteirista.
Que o Tim Burton é um cara genial, dos maiores diretores americanos em atividade, dos mais criativos e dos mais perturbados, isso a gente já sbe, nnao preciso eu escrever aqui. E quando soube que ele refilmaria a fábrica de chocolates, fiquei bem excitado, porque o filme é “Burton material” total: o diretor que cria mundos fantásticos, tinha em mãos um mundo absurdo para dar vida nas telas, mundo esse fantástico já no nome, quer dizer, perfeito.
Mas, o filme não me emocionou como eu esperava.
Apesar de tudo: isto é, apesar de ser um filme muito bom!
Quando eu saí do cinema, numa tarde de sábado, na melhor sala de São Paulo, nomelhor lugar pra se sentar, eu senti saudades do filme de 1971, da música dos oompa-loompas, do cabela do Gene Wilder, saudades do final quando o Charlie devolve o chiclete que ele tinha roubado.
Na minha modestíssima opinião, o Wonka do Johnny Depp (que pra mim é o melhor ator desses nossos dias) é muito malucão demais, muito freak. Na verdade, eu já devia ter esperado isso: acho que os dois, Depp e Burton não teriam feito diferente.
Mas a nostalgia do primeiro filme é forte: acho que os tempos eram outros e refletiam no filme de outra forma. Em tempos de flower power, de verão do amor, de guerra fria, Mr. Wonka era só um milionário solitário, frio, distante e um pouco arrogante que procurava um herdeiro para sua fábrica e descobre no pobrezinho e bonzinho Charlie o seu golden ticket.
Hoje em dia, com Saddams e Bin Laddens e torres que caem e cuecas cheias de dinheiro, Mr. Wonka é um pseudo Michael Jacksson com luvas púrpuras de borracha e cara de quem pode a qualquer momento levar um das crianças para uma das salas perdidas de sua fábrica para fazer nã-se-sabe-o-quê com elas.
Eu teria medo de deixar minha filha com o Wonka de hoje e nem tanto com o Wonka antigo.
Filme sacana?
O pior é que eu acho que não.
O filme, claro, é mais atual, o mundo não é tão “bonitinho” nem esperançoso como era 30 anos atrás.
E talvez essa “saudade do que eu não vivi” tenha pesado mais que o pai do Willy e seu aparelho ortodôntico constrangedor ao extremo.
Quanto ao filme em si, claro que a direção de arte é espetacular, a música é boa (sendo que foram musicadas as letras originais do livro escrito por Road Dahl), a fotografia é uma aula e o melhor de tudo ainda pra mim é Freddie Highmore, o moleque saído de “Neverland”, trazido por Johnny Depp para esse filme lindo e quase sentimentalóide que é “Charlie and the Chocolate Factory”.

2005-06-13T12:50:00.000-03:00

12 de junho de 2005.
0h

9 Songs
dir: Michal Winterbottom

Eu acho que as provas de amor eestão nos detalhes.
Na noite do dia dos namorados e por coincidência noite de comemoração de 1 ano de namoro, teve também por coincidência a pré-estréia do por mim esperadíssimo 9 Canções, do meu herói Michal Winterbottom.
O filme vem sendo há muito amado e odiado aos borbotões pela net, por causa do sexo explicíto, por causa dos shows de rock, por causa dos não-atores.
E eu amei o filme por tudo isso, pelos memso motivos que fazem tantos o odiarem.
A cultura pop é foda, qualquer coisa é motivo pra detoná-la.
Mas renegá-la é a pior coisa que se pode fazer.
O mundo é pop, o mundo não é erudito, não é pós-moderno chato, não é brega.
O mundo é pop.
E não aceitá-lo assim só deixa a vida (e o mundo) mais difícil e mais chato e mais complicado e mais sem graça e mais besta.
O filme é demais: uma história de amor que começa num show do Black Rebel Motorcycle Club, vai pra casa onde o casal trepa muito e onde vemos detalhes genitais há muito não vistos com tanta crueza e beleza numa telona de cinema )sem contar os pornôs do centrão).
Ela é linda, gostosa, magra, excitada.
Ele é mais baixinho que ela, interessante, com pauzão e adora chupar a buceta dela.
Depois de um show do Von Bondies, eles voltam pra casa e trepam mais ainda.
Depois do show do melancólico Elbow, ela chora.
Depois dos lindos Dandy Wharols, ele a prende na cama.
Depois do Primal Scream, ela o prende na cama.
Num puteiro onde uma gostosona tatuado fica se esfregando nela, rola Goldfrap e a gente quase chora de tesão.
Numa noite linda de comemoração eles vão assistir um concerto do genial Michael Nyman e daí a gente chora de verdade.
E tem ainda ao vivo Super Furry Animals, Franz Ferdinand.
O que interessa aqui é o velho e bom sex, drugs and rock’n’roll, trilogia que o filme se baseia.
O sexo é ótimo, feito com tesão mesmo, e na urgência da câmera digital, mostrado sem pudor e com a pulsação linda de uma gozada na barriga depois de uma chupada com gosto.
Chorar depois do show do Franz Ferdinand.
Cheirar antes de assitir Michael Nyman.
Ficar triste quando avisado da separação.
Trabalhar no Ártico estudando o gelo e viver a vida com o maior calor possível.
E no fim assistir sozinho outro show do Black Rebel e ouvir que “ela foi embora e me deixou de coração partido”.
Alegre, tesão, triste e lindo.

Ah, a prova de amor.
Numa noite tão importante como essa, dia dos anmorados, 1 ano de namoro, seria óbvia a predileção por um jantar ou sexo direto.
Mas não, não fui sozinho ao cinema.
E o filme fez um efeito maravilhoso em ambas as partes.
Amei mais ainda.
Amo mais ainda.

2005-02-28T10:07:00.000-03:00

Bom, errei um monte e acertei algumas.
Pra meu deleite, Menina de Ouro levou os melhores prêmios, filme, direção, atriz, e ator coadjuvante.Merecia mesmo.
Eu só fiquei torcendo pelo Scorcese porque o cara é muito foda me nunca ganhou, mas como eu disse antes O Aviador é muito porcaria, filme menor dele.
Jamie Foxx ganhou como ator como esperado, hoje vou assistir Ray! hehehe
Gostei que O Aviador tenha ganho prêmio de fotografia, é linda mesmo. Mas achei injusto Menina não ter sido indicado para fotografia, porque é magistral o claro/escuro do filme. E o filme do Scorcese ainda ganhou em figurino, direção de arte, e montagem. Gostei porque a montadora do filme montou todos os filme do Scorcese e sempre que em revistas fazem matérias sobre montagem, edição, as matérias são com ela. A mulher arrasa!
Os Incríveis ganhou como animação, que bom!
E obviamente Mar Adentro levou, filme ridículo. O filme alemão indicado "Downfall" é o filme do Hitler, tô doido pra ver. MAs claro que não ganharia.
Outro prêmio bom foi de roteiro para Brilho Eterno ( o outro foi pra Sideways).
A bobagem da noite pra mim foi a Cate ganhar. Repito: ela tá caricata no filme, ruim que dói!
E só.
Festinha besta.
Só gostei da Giselle na primeir afila...hehehe

2005-02-27T18:43:00.000-03:00

Essa é a minha listinha de filmes que deveriam ganhardo Oscar, feita horas antes da premiação.
Meus critérios são absolutamente pessoais, diferente do próprio Oscar, que de pessoal não tem nada.
Assim sendo, levando em conta as lágrimas que eu chorei esses últimos dias nos filmes que vi, vamos à tal.

Melhor Filme: Menina de Ouro. Com certeza o melhor Clint e a melhor das opções que concorrem. Filmaço!

Melhor Diretor: Martin Scorcese. Apesar de ter feito um filme super irregular, é gritante o quanto o cara é um puta diretor, diferente de todo mundo. Acho que quem chega quase a séus pés hoje é o Clint, o Marc Forster eo Michel Gondry.

Melhor Ator: pra mim deveria ganhar o Leonardo. De novo apesar do filme, ele tá muito bem. Sou fã mesmo! Apesar de babar no Johnny Depp também, que é genial e nesse filme tá inacreditável. Fiquei na dúvida agora! Acho que prefiro o Depp.

Melhor atriz: eu acho que a Hillary Swank devia ganhar MESMO! Ela tá muito fodona nesse filme. Gosto muito da Kate no Mente Brilhante também, mas Menina de Ouro é muito animal!

Ator Coadjuvante: difícil. Eu gosto do Jammie Foxx no Colateral, acho um puta filme! Mas também gosto do Allan Alda no Aviador, nem curto muito ele, mas ele tá muito foda no filme. Mas deve ganhar o Clive Owen, apesar do filme lixo Closer.

Atriz Coadjuvante: eu não daria pra nenhuma das indicadas. Se fosse obrigado, dari pra Virginia Madsen, acho ela muito boa. Acho a Cate super canastrona no Aviador, over demais.

Roteiro Original: Mente Brilahnte, sem dúvidas. O melhor filme americano do ano passado.

Roteiro Adaptado: fico entre Menina de Ouro e a Terra do Nunca. Mas também acho que os dois são fracos.

Filme Estrangeiro: só vi dois e odiei os dois, o francês e o espanhol. Espero que ganhe qualquer outro.

Direção de Arte: ou aviador ou terra do nunca. Lindos os dois.

Fotografia: Aviador. Technicolor forever!!!!!

Filme de Animação: Os Incríveis. Apesar de Shrek 2 ser muito bom também.

Figurino: Terra do Nunca. Impecável!

Edição: Colateral. Acho a montagem e o ritmo desse filme uma aula de cinema.

Maquiagem: Desventuras em Série. O filme é lindo, com direçnao de arte bem boa e tudo o que vem junto, como a maquiagem.

2005-02-20T17:31:00.000-03:00

Curto e grosso: Mar Adentro é uma porcaria.
Filmão “roliudiano” porcaria, ainda por cima.
Foi feito na Espanha, com um elenco bacana, por um diretor bacana, a partir de uma história que a princípio seria bem interessante e bacana e o filme é… uma porcaria!
Só que ao que me parece, o diretor, o chileno Alejandro Amenábar, depois de ter caído nas graças de Tom Cruise que comprou os direitos do seu ótimo Abre Los Ojos e o refez na porcaria Vanilla Sky, depois de ter filmado em Hollywood com a Nicole Kidman o genial Os Outros, acho que ele resolveu que teria que fazer um filme americano na Espanha, onde mora.
Daí, com dinheiro, comprou os direitos de uma história interessante, arrumou o melhor elenco que poderia na Espanha hoje em dia, a meu ver e fez essa decepção de filme.
A história é a de Ramon Sanpedro, um tetraplégico que por 28 anos tentou se matar legalmente, com autorização da justiça, porque, sendo tetraplégico não conseguiria fazer nada sozinho.
No filme, Sanpedro é vivido pelo sempre bom Javier Bardem, que nesse filme está ótimo, o que é pouco, ao meu ver. Eu não fiquei empolgado, arrebatado pela sua atuação. O personagem é genial, interessante, inteligente, cativante, mas no filme Bardem é só um cara bacana, que escreve bem, que com seu carisma faz com que sua família mude toda a sua rotina pra tomar conta dele.
Eu destaco aqui como a melhor passagem de Bardem o fim do filme quando ele lê em off seu poema Mar Adentro, lindo de cortar o coração.
Mais uma vez, nesse filme como no também chileno Machuca (a porcaria, que fique-se claro) o personagem que diz as “verdades verdadeiras” é o uqe menos aparece no filme, o irmão mais velho de Ramon, que ao não querer que ele se mate, diz que toda a sua família, ele, sua mulher, seu filho e su pai, todos vivem em funçnao do irmão doente, e que nunca cobraram nada em troca, mas que naquele momento pedia, exigia que o irmão não se matasse, apesar de tudo. Essa súplica amorosa é o contraponto de todo o filme que é sobre o poder de escolha, a liberdade de ir e vir e fazer o que se quer, se quer viver ou morrer, porque Ramon acha que ele vivo do jeito que vive é um peso pra todo mundo que o rodeia e pra ele mesmo. O não se aceitar pesa mais do que qualquer coisa pra ele. Ele conta com a juda de uma ONG (?) que se chama morte digna ou qualquer coisa parecida, onde eles tentam achar meios legais para ajudar pessoas como Ramon que tentam se matar com autorização.
O que me irritou no filme nem é a história toda do mata não mata, as discussões do que é legal ou não, quando sabíamos desde o início que ele morreria no final.
O que me irrita é a pretensão do diretor que erra a mão feio.
Ele tenta se mostrar demais, fazer planos malucões, colocar a câmera em lugares malucões e só faz errado.
Erra na mosca.
E outra coisa irritante no filme é a trilha sonora, que também quer aparecer demais, muita música em lugar errado e mal mixada, muito alta.
E, coincidentemente, a música é feita pelo próprio Amenábar (como no filme do Clint!).
Deixa a trilha pra gente boa, meus caros, nos dois casos acabou-se atrapalhando, a meu ver.
Quanto ao resto do elenco do filme, é um colírio, principalemnte o elenco feminino: são atrizes maravilhosas, em papéis absolutamente distintos, nenhuma mulher é parecida em nada com outra, elas são praticamente estereótipos vividos por grande atrizes (e acho que aí está outro dos problemas do filme, tudo é muito estereotipado demais).
E pra finalizar, ainda acho que esse filme está na categoria dos filmes que não precisam ser vistos.
Esperemos pelo próximo Amenábar, o diretor do ótimo Tesis e dos outros dois já citados aqui.
Parece que ele foi até Los Angeles e já volta.
Mas eu espero.

2005-02-19T01:14:00.000-02:00

Já me disseram que deve-se sempre duvidar ou não levar tanto em consideração críticas escritas no calor do momento, para o bem ou para o mal.
E já vou deixando claro que esse texto aqui foi está sendo escrito no calor do momento.
De propósito.
Saí do cinema e corri pra casa pra fazê-lo.
Menina De Ouro, o mais recente filme de Clint Eastwood é um colírio, uma delícia de um filme no meio da lixarada que tenho visto ultimamente.
(Primeiro parêntese: uma vez aprendi que não se deve dizer “o último filme de Clint Eastwood” a respeito de seu mais recente filme, afinal, ele ainda não morreu, então esse provavelmente não é seu último filme, se os deuses do cinema assim permitirem).
Eu na verdade nem sei por onde começar a falar do filme, tudo é muito bom.
Na verdade, vou começar falando do que eu não gostei do filme, que são duas coisas.
Uma delas é a trilha, achei fraca e talvez um pouco impertinente.
O gênio Hitchcock já disse que mais importante que saber fazer uma música boa e saber colocá-la no lugar certo em um filme, mais importante mesmo é saber onde não colocar a música.
E na minha modesta opinião, nesse filme, além da música não ser assim tão boa, em vários momentos ela incomoda e nem pela sua qualidade, mas por não precisar estar lá.
E outro problema a meu ver é a locução off durante o filme todo do negão contando a história do filme. Tudo bem que se justifica no final e foi um recurso usado para poder explicar o que acontece no fim, mas eu acho que acabou sendo um luxo do roteirista do filme que é um dos produtores, diga-se de passagem. E eu acho um pecado mesmo ter essa coisa do voice over depois da prova cabal que é Blade Runner, a versão do diretor sem a locução é um milhão de vezes melhor que a versão original. Depois disso, quem faz o voice over, mesmo com todas as desculpas possíveis, tem que levar um puxão de orelha (e digo isso mesmo pra outro filme que tanto amo e que já comentei aqui antes que é Code 46, que aliás tem o mesmo propósito desse filme, então, chega mesmo porque já está ficando óbvio demais).
For a esses dois “pecadilhos”, o filme é um primor.
Começando pela luz do filme: Tom Stern é o cara a se idolatrar. Pelo que pude saber, é um fotógrafo novo, fez o filme anterior do Clint e mais uns outro dois e só. Antes tinha sido eletricista chefe, assistente de câmera. Mas o seu claro-escuro em “Menina…” é um primor, uma obra de arte. Imagino quais teriam sido suas referências e como ele deve ter pesquisado para chegar naquele jogo de sombras que permeia todo o filme. Muita meia luz, muita luz só nos olhos, muito contr-luz nos momentos mais importantes do filme. Ousado, pra definir em uma única palavra.
A direção de atores do filme é outro ponto chave: os sotaques, os não exageros onde “deveriam” haver, os closes, Hilary Swank que deveria ganhar todos os prêmios de interpretação do ano facilmente, masculina e feminina, Morgan Freeman dando aula de como se portar de maneira tão glamurosa (verdade!!!!) sendo um faxineiro de uma academia de boxe de quinta e o grande Clint sendo um cara que a gente nunca viu antes. Verdade, ele me surpreendeu de uma forma singular, não consegui encontrar em seu personagem nada do que já tenha visto dele antes e com certeza é isso o que separa do “resto” dos fodões do cinema americano.
Isso e seu poder, seu dom magnífico de dirigir, de criar clima, de saber onde colocar a câmera, de saber conseguir que seus atores façam exatamente o que ele quer e de finalmente fazer com que seus filmes sejam únicos, sejam um deleite para seus espectadores e um colírio (de novo) para seus fãs (sim soou seu fã de carteirinha).
E como disse o maleta do Spielberg em algum lugar, é uma bênção ver que um cara como o Clint, “o” Clint, com seus 70 e tantos anos, venha fazendo filmes cada vez melhores com o passar do tempo.
Bom pra nós que vemos esses filmes.
E esperamos pelo próximo.

2005-02-15T12:45:00.000-02:00

E a maré ruim de filmes continua.
Agora com um filme que prometia bastante, a crítica falando bem, os “antenados” curtindo, arrebatando prêmios em festivais internacionais e tudo.
Mas quando fui ver, quase chorei.
O filme é o chileno Machuca, dirigido pelo mala Andres Wood.
Inacreditavelmente ganhou prêmio em Cannes. Se bem que nem tão inacreditavelmente assim, já que o prêmio que ganhou foi o mesmo que a bomba Diários de Motocicleta ganhou ano passado.
Eu tô acahando que essa “onda latina” já tá saindo de controle, porque o povo vê qualquer filminho que venha daqui de baixo e acha genial, principalmente os velhos e bons filmes mostrando miséria e golpe militar.
Ai que preguiça!
Machuca é a história de um moleque, em 1973, ano do golpe no Chile, um moleque burguesinho, gordinho, chato, que estuda num colégio católico burguês, com uns padres gringos meio malucões que pegam as crianças que moram na periferia e não têm onde estudar e levam pro tal colégio.
O gordinho fica amigo do Machuca do título, um molequinho que é seu oposto, esperto, moreninho (o pentelho é ruivo; gordinho e ruivo, maior estereótipo judeu burguesinho impossível), pobre, o pai é bêbado, a mãe cuida dele e de mais um bebê sozinha,moram numa favela e ainda por cima o moleque trabalha vendendo bandeirinhas em passeatas, nas pró e nas contra o governo, o que interessa é ganhar dinheiro.
Bom, o filme até aí já tem de tudo, golpe militar, passeatas, pobres tentando se virar no meio disso tudo, a classe média/alta nem ligando pra o que tá acontecendo ao seu redor, o típico filme/novela latino pra gringo ver.
E se não bastasse todos esse clichês,o o elenco sofre nas mãos do diretor: a direção de atores é sofrível. Acho que os dois únicos personagens que se salvam são o pai do menino Machuca e a amiga dele, que mora na favela com ele e que também vende as bandeirinhas nas passeatas, que faz o papel da miserável revoltada, que briga com as mulheres burguesas e é a “responsável” pelo toque de “desabrochar sexual” do filme, dando beijos de língua nos dois meninos enquanto eles comem leite condensado no meio do lixão (nada mais cinema marginal/anos 70 que essas sequências; o Sganzerla deve estar se batendo no inferno).
O filme, sendo bem sincero, é uma tentativa de ser uma mistura de Sociedade dos Poetas Mortos e o grande, genial Adeus, Meninos.
Só que uma mistura que não dá muito certo, porque as referências são tão óbvias, o diretor meio que copia sequências inteiras desses filmes, que na verdade nos deixa com saudades dos originais.
E o pior é que a gente vai vendo o filme e adivinhando tudo o que vai acontecer.
O que me parece, na verdade, é que o diretor passou por tudo isso (ele tem declarado por aí que o filme tem toques autobiográficos). Ele com certeza era o burguesinho que teve o amigo pobre na escola e hooje ele deve se arrepender, se remoer e se giletar por não ter feito nada pelo amigo na época.
A melhor sequência do filme pra mim é quando os meninos chegam na favela, na casa de Machuca e encontram seu pai batendo na mãe que segura um nenê no colo porque ele, o pai, bêbado, quer dinheiro pra beber mais ainda.
Ele vê o ruivinho bem vestido com o filho e a amiga e quer saber quem é. Logo diz pro filho não ficar muito amimgo dele porque daqui um tempo, ele vai estar cuidando da empresa do pai e ele, o pobre, vai estar no máximo lavando o banheiro da empresa dele.
E sai.
Eu, na minha modesta opinião de cinéfilo inveterado e descobridor de bandeiras e afins, acho que isso ou alguma coisa muito parecida deve ter acontecido com o diretor quando era pequeno, ele era o gordinho mala e o pai bêbado/estranho do seu amigo pobre deve ter dito isso pro filho e, eureka, deve ter acontecido na vida real.
Eles devem ter se separado, nunca mais se viram, ele deve ter esquecido o nome do amigo e “ viveu com essa culpa, esse peso a vida inteira” ( nas aspas, leia-se com uma ponta de sarcasmo).
O fim da história é que ele é chato mesmo, recalcado e me pareceu que fez esse filme pra expiar seus pecados (deve se sentir tão culpado que deve sentir que o que fez, ou o que não fez, ou o pelo que passou , pecados, daí passíveis de expiação).
Chato é a palavra que melhor define esse filme.
Chato mesmo.
Fuja.

2005-02-05T03:35:00.000-02:00

Acho que é verdade mesmo: o declínio do império americano.
Cada vez mais fica óbvio o quanto a América está cada vez mais banal e quanto eles estão nivelando por baixo, até suas “obras de arte”.
Semana passada foi o super valorizado Perto Demais, o filme mais chatinho dos últimos tempos.
Hoje foi Sideways, o outro super valorizado filme com uma caralhada de indicações ao Oscar, coisa que não entendi ainda.
Quer dizer, entendi sim.
E a resposta tá ali em cima na primeira frase.
Os caras lá dos EUA estão tão perdidos e tão sem saber o que fazer que quando alguém faz um filmezinho um pouco acima da média (que está cada vez mais baixa) o filme é super estimado e eles indicam pra um monte de coisas e dão um monte de prêmios.
Esse filme tem coisas legais (assim como tinha Perto Demais).
Poucas e boas coisas legais, mas no geral é filmão (no pior sentido do termo).
É a história de dois caras de uns 30/40 anos que saem numa semana de férias antes do casamento de um deles, por uma região vinícola da Califórnia e tentam se divertir.
Bom, quase isso.
Ou era pra ser isso, só que nem é.
O problema número 1 do filme é o uso excessivo da comparação do vinho com o homem, cada tipo de vinho para cada tipo de homem, o quanto o vinho é melhor quando mais velho e bla bla bla.
O uso ridículo da metáfora atrapalha, acaba tirando um pouco da graça geral do filme, no meu ver.
Tem um diálogo patético entre o bom Paul Giamattie a sub valorizada Virginia Madsen sobre isso, o quanto cada um prefere um tipo de vinho e outro e o quanto isso reflete na história de cada personagem.
Ba! Que papo furado!
O elenco do filme é bem bom (outra coincidência com Perto): tem Giamatti que sempre vai bem em tudo o que faz, principalmente no gemial Anti Herói Americano, esse sim uma obra de arte, que deveria ter sido indicado aos oscars da vida. Virginia Madsen, finalmente tem reconhecimento, foi indicado como coadjuvante no Oscar junto com Church (outra coincidência com Perto, casal de coadjuvantes indicados).
Acho que teria sido melhor se o filme fosse focado na história do outro cara, o “palhaço”, Thomas Haden Church, o cara que vai se casar e quer tirar o atraso, aproveitar seus últimos dias de solteiro.
Ele rende boas piadas e a atriz que faz par com ele, a grande Sandra Oh é pra mim uma das grandes atrizes americanas e por ser estranha/feia só faz esses filmes menores ou papéis mínimos em outros filmes.
Eu fico com medo de filmes assim, normal, bem mediano mesmo, com roteiro rasteirinho. Se esse é um dos grandes filmes do ano (ao lado de Perto Demais), tô fudido, vou passar necessidade o resto do ano.
A trilha do filme é outra coisa bem chata, muita música, muita música bem chata, meio jazzinho, eu fiquei o filme todo com a sensação de que iria começar a tocar Bebel Gilberto e ficava com medo (Bebel, aliás, que tem música no…sim, Perto Demais).
É um pouco de coincidência demais pro meu gosto.
Esse diretor de Sideways fez uns filmes legais mas nem é um cara que saiba filmar super bem que tira o fôlego de quem assiste seus filmes.
Voltando ao petardo (hehehe), a grande coisa de Sideways é a comédia: o filme deveria ser mais engraçado e se levar um pouco menos a sério. As partes cômicas são ótimas. Parece que o diretor nnao precisa se esforcar muito pra contar piadas, diferente do resto do filme.
Agora, justiça seja filme, o final do filme é o melhor do ano. Eu tinha certeza que o filme terminaria mal, com todo o óbvio acontecendo, mas não, fiquei super feliz.
A luz no fim do túnel nesse caso foi mesmo: na última cena.

2005-02-04T03:31:00.000-02:00

Você acredita em coincidência?
Eu não.
Prefiro pensar em sincronicidade, ou qualquer coisa parecida.
Bom, eu só comi tapioca, na minha vida, nem me lembro quando, mas tinha sido só uma vez.
Até hoje.
Fui na casa de uma amiga ajudá-la com o computador, instalar programas novos. Fomos eu e ela tomar um café na padaria ao lado da casa dela e pra nossa surpresa, na entrada da padaria, tinha uma mesa com fogareiros, panelas, recheios e uma cozinheira fazendo…tapioca!
Bom, comi!
Delicioso!
Agora já são 3 horas da manhã.
Tô de novo num daqueles dias de sono demorando pra chegar e tô com a tv ligada, zapeando e cheguei na globo e começou um filme com a Julie Andrews, engraçado, musical dos anos 60’s.
Começo assistir, e o primeiro número de dança é dentro de um elevador. Hilário!
Daí tem uma festa, com moças esperando serem tiradas para dançar pelos moços. Um deles tira Julie para dançar e diz a ela que quer dar um nome à dança e pergunta o que ela comeu no jantar. O que ela responde? TAPIOCA!!!!!!
Até parei de prestar atenção no filme e vim escrever.
É muita coincidência pro meu gosto!
E mais uma agora: fui procurar o ano do filme no IMDB e descobri que é de 1967, o ano que eu nasci.
Parece que eu tô pirando com teorias da conspiração.
Hehehe.
Vou voltar ao filme.

2005-01-23T15:31:00.000-02:00

Dois filmes nos dois últimos dias no cinema.
Doir filmes que não poderiam ser mais diferentes um do outro causando a mesma sensação de desapontamento.
O primeiro foi Elektra, a adaptação da maravilhosa personagem dos quadrinhos criada por Frank Miller.
O segundo, Perto Demais, o incensado filme de Mike Nichols, adaptando uma peça de teatro de sucesso por onde passou, inclusive aqui no Brasil.
Mas vamos começar do começo: Elektra foi a meu ver a pior adaptação de uma personagem de HQ para as telas de cinema. E quando digo isso quero deixar bem claro, antes de mais nada, que o filme é bom, nem é ruim.
Mas parece que só quiseram usar algumas características interessantes da personagem num filme que nada tem q ver com sua origem.
Talvez isso se torne uma nova onda, o que me dá certo medo só de pensar.
O diretor Rob Bowman é bom, fez um filme de dragões interessante e fez um monte de episódios bacanas do Arquivo X , filma bem, sabe contar história, sabe fazer seus atores serem críveis (apesar dos pesares) e teve uma boa escolha de elenco pra esse Elektra.
Mas deixar de lado toda a “mitologia” da guerreira de origem grega malvada não foi sua melhor escolha.
Aqui abro um parêntese me explicando que ao colocar a culpa no diretor sabemos que não é necessariamente ele o responsável pelo que acontece num filme desses, dependendo dos diretores executivos e variados roteiristas que passam pelo processo, mas quem assina é o pobre coitado.
Acho que a escolha do elenco é ótima, Jennifer Garner
já mostrou que é uma puta atriz e que daqui pra frente vai ser reconehcida como uma das grandes atrizes americanas. No filme do Demolidor, quando primeiro apareceu Elektra nos cinema, ela já roubou a cena do insosso Ben Affleck. E o bonitão Goran Visnjic como o perseguido do filme também manda muito bem: ele é um grande ator que surgiu para o mundo no croata Bem Vindos a Sarajevo (olha filme do Michael Winterbottom de novo!!!) e que fica escondido no Plantão Médico e só faz (por enquanto) uns papéis bacanas em filmes independentes como o pouco visto The Deep End. E ainda temos o prazeroso desempenho do sempre bem vindo Terence Stamp , como o cego mentor de Elektra.
O roteiro do filme é bem confuso, muita coisa não fica clara, como por exemplo da onde surge o bando de malvados do filme, ou porque Elektra decide não matar quem ela devia.
E muitas outras coisas estranhas que ficam meio sem sentido no filme.
Pra terminar: é um filme de ação bom com uma personagem principal bacana, ambígua nos sentimentos, ao mesmo tempo que é uma péssima adaptação de uma grande personagem de HQ.
Eu acabei assistindo Elektra na sexta, porque a sessão de Perto deMais já estava lotada. Ia vê-lo de qualquer maneira, mas como estava animado pelo filme de Mike Nichols, depois de ler tanta coisa a respeito, como o grande filme americano da nova safra, o filme que deveria ser copiado pelos diretores e tal, foi meio balde de água fria. No sábado eu fui conferir o tal filme e fiquei mais decepcionado ainda que com Elektra.
O filme é bom, o enredo é bom, bem filmado, os atores estão estupendos, acho que é o primeiro filme da Julia Roberts que eu gosto dela, sua personagem é fantástica e sua atuação é primorosa, na medida certa.
Jude Law , pra variar, está perfeito, pra mim é o melhor ator de sua geração, o que mais agrega valores (lindo, talentoso, versátil).
Mas os destaques do filme são mesmo Clive Owen e Natalie Portman.
Owen ganhou o meu respeito quando fez os filmes da BMW para a internet 3 anos atrás. No curta dirigido pelo mexicano Iñarritu, me deixou ás lágrimas à frente do meu computador numa linda história de amor e dedicação. Ele tem feito vários filmes menores, tem se saído muito bem e sempre se destacado absolutamente, como por exemplo no Gosford Park de Robert Altman. Mas é como o médico fino e grosseiro de Closer que ele finalmente mostra a que veio. Em suas sequências com Portman, principalmente na sequência do puteiro, deixa todo mundo pensando como ele consegue fazer aquilo.
E na mesma sequência, Portman dá um show de interpretação como a stripper mais plausível do cinema (eu sempre imagino a vida de putas/michês/strippers/travestis, das pessoas que lidam com a venda do sexo, a venda do corpo, como seria seu dia a dia). Acho que a personagem de Portman é um grande exemplo dessa aula de antropologia, mostrando que eles têm uma vida normal, que são de carne e osso, mas que também têm alma e o fim do filme mostra “finalmente” o quanto ela sabe fazer o que ela quer com as pessoas que a rodeiam, que talvez por ter essa vida dura, aprenda mais depressa a lidar/manipular quem a cerca (ela é a mais nova dos quatro e a que mais tem a dizer, no fim).
Claro que todas as dicas da sua personagem são dadas ao longo do filme, mas nós não queremos acreditar no que estamos vendo e preferimos acreditar na fantasia que ela cria para si mesma.
O que é ótimo. E eu acho que o grande mérito disso é a direção precisa do veterano Mike Nichols, sabendo exatamente o que quer mostra e dizer e dizendo e mostrando exatamente o que quer que a gente veja na hora certa.
Mas apesar de tudo isso, achei o filme chatinho.
O filme poderia ser menos um filme sobre “d.r.”, discutir relação, e mais sobre… sei lá o quê, na verdade.
É na minha opinião um filme tão chato quento Antes do Pôr do Sol, um filme em que duas personagens ficam conversando o tempo todo, por mais de uma hora e que o que importa, o que eles realmente queriam , está nos últimos 10 minutos de filme. E nem me venha com essa história de criar clima, paciência que é balela. Acho essa a influência negativa do cinema francês sobre os americanos: eles pegam o cinema francês do palavreado, das conversas infindas, mas relevantes e transformam agora nesses anos 2000’s numa desculpa pra enrolar e enrolar e enrolar enredos bestas para mostrar finais às vezes surpreendentes.
Tem que ver, mas sem essa expectativa toda.
Nenhum dos dois.
Pro bem e pro mal
Relaxe.

2005-01-20T21:10:00.000-02:00

Depois de uma longa temporada dentro de uma noite quase sem fim, do meio da tempestada emerge de novo esse blog.
E no meio disso tudo, depois de muitos filmes geniais vistos (principalmente durante a Mostra de São Paulo) como Os Sonhadores e Herói, só pra citar os dois melhores, sempre depois da bonança vem a tempestade ou o contrário.
Ultimamente tenho visto muito filme no cinema, devido a casa nova, a proximidade dos vários cinemas, tenho feito questão de ver tudo que passa por aqui.
E no meio desse turbilhão todo de imagens, dois momentos se destacam pra mim e apontam genialidade no meio da mediocridade toda.
Aqui um parêntese: eu odeio quando flam em mediocridade e explicam na sequência o conceito de mediocridade vindo do médio, do normal. E nesse meu caso aqui, eu tenho que explicar isso de novo, a mediocridade cinematográfica vem dos filmes médios vistos nas últimas semanas, nada demais, a não ser por uma coisa que me impressionou muito que é a computação gráfica do filme Blade Trinity. Sim, já chegamos no momento que não mais identificamos o que é filmado e o que é computação gráfica. E só mais um adendo em relação a esse filme: a trilogia vinha bem com os dois primeiros filmes com dois diretores bacanas, diretores que sabem o que fazem; já nesse terceiro, o roteirista dos outros dois e um roteirista bacana, resolve dirigir e dá no que dá, um filme bem médio, com sequências ridículas, com uma direção de ator perdida, deixando a chata da Parker Posey fazer o que ela quer ocm o personagem dela. Não pode.
Mas voltando à mediocridade: nada se sobressaiu nas últimas semanas mesmo, principalmente se contar que assisti Alexandre, o pior filme do ano fácil, e Oliver Stone, por favor, não me venha reclamar que todo mundo fala mal do seu filme e que daqui uns anos será reconhecido, meu amigo. O filme é um lixo, impressionantemente lixo: o sotaque que a Angelina Jolie inventou pra esse filme (que ela diz ser um inglês grego), por favor, não. Inacreditável como alguém (o diretor) deixa isso. Na verdade eu acho que isso acaba sendo um exemplo concreto do poder que certos atores têm, no caso a dona Angelina, que deve ser tão chata que o cara deve deixar passar pra parar de ouvir ela falando besteira no ouvido dele.
Outro absurdo, e exemplo de oportunismo hollywoodiano tão comum, é A Lenda do Tesouro Perdido, um filme totalmente feito em cima do Código DaVinci, um pesquisador genial que vai de pista em pista descobrindo um tesouro absurdo. Bom, for a toda a baboseira do enredo, do diretor de quinta, temos que aturar o senhor Nicolas Cage dando uma de gênio, fazendo cara de quem teve uma idéia brilhante. Não dá.
(Tá bom, pode me xingar, pode dizer que a culpa é minha, que eu devia ter ficado em casa vendo Big Brother ao invés de ver um filme desses, mas numa quarta feira, cinema barato, eu sozinho, chovendo, vou ver lixo.)
Pra compensar, temos os dois momentos que eu disse lá em cima e que agora vou explicar quais são.
Snao dois momentos com a mesma filosofia em dois filmes que não poderiam ser mais diferentes : Doze Homens e Outro Segredo e Código 46.
Nesses dois filmes, os respectivos diretores, Steven Soderbergh e Michael Winterbottom, mostram porque são dois dos melhores diretores da atualidade, dois dos mais inventivos e originais e geniais diretores em atividade, que nos brindam com filmes brilhantes como Full Frontal de um A Festa Nunca Termina e Neste Mundo de outro.
Em seus dois mais recentes filmes, eles brincam com o ser ou não ser, com o sou ator, mas estou aqui fazendo o papel de mim mesmo atuando nesse filme.
Em Doze Homens E Outro Segredo, Julia Roberts é a esposa de George Clooney e quando ele e seu bando se enrolam no golpe que vão dar, alguém tem a brilhante idéia de chamá-la pra que ela os ajude pelo simples fato de se parecer muito com: Julia Roberts.
Doideira total: Julia Roberts num filme, fazendo o papel de uma mulher que se parece com Julia Roberts e se faz passar pela própria, então, é alguma coisa parecida com o que a Julie Andrews fazia no Vitor ou Victoria : pra ela conseguir o papel numa peça, ela fazia o papel de um homem que era travesti, isso é, que fazia o papel de uma mulher.
Outra piração do “nível” é em Código 46: Tim Robbins e Samantha Morton são duas pessoas que se conhecem por acaso num futuro próximo, em meio a um mundo estranho, cheio de regras e leis estranhas como o tal código 46 do título, mas eles saem juntos e vão a uma boite/karaoke. Quando chegam ouvem uma cantora (eles estão em Xangai) e depois dela, ouvimos um homem cantando Should I Stay Or Should I Go, do The Clash no karaoke. Quando o diretor nos mostra quem está cantando, não é ninguém mais ninguém menos que o senhor Mick Jones, “O” cara do Clash, sentadinho, no meio do nada, cantando a sua música.
Esse tipo de “piada interna” me enche de alegria, me faz pensar que sim, existem gênios ainda por aí e que sim, esses caras são bem humorados e não são os caras que deixam as Angelinas da vida inventarem sotaques que só elas entendem nos filmes.
Isso me deixa um pouco mais feliz, mais com vontade de ir ao cinema, mais com vontade de assistir filmes e mais com vontade de escrever.

2004-07-03T22:53:00.000-03:00

Um post rápido sobre Homem Aranha 2.
Num outro blog q eu tinha, na época do lançamento do primeiro Homem Aranha, uns 2 anos atrás, eu lembro de escrever q o q eu tinha mais gostado do filme era a ironia q estava quase escondidinha no filme, como a sequência onde Peter Parker ficava no seu quarto treinando lançar as teias de aranha e terminava num emaranhado de teias pelo quarto e ainda por cima era descoberto pelo seu tio e ficava com vergonha, numa alusão quase explícita à masturbação escondida, adolescente, quase infantil.
Dessa vez, o que mais me deixou feliz no segundo filme, além dos espetaculares efeitos especiais e 3D, foi uma sequência de terror no meio do filme, escondida, quase perdida, mas q causa um estrago absurdo: o vilão desse filme, Doc Oc (Alfred Molina), depois do desastre de seu experimento, é levado a um hospital para tentarem salvá-lo do catastrófico acidente. Quando ele recobra a consciência, mata todo mundo a sua volta, médicos e enfermeiros, num show de terror e carnificina.
Ou quase, o q é melhor.
O q não se pode esquecer é q o diretor dos dois filmes aracnídeos, é o grande, grande Sam Raimi, o gênio (sem exagero) que nos deu A Morte do Demônio, ou como deveria ser pra sempre reconhecido, Evil Dead.
A sensação q eu tive foi a d q ele esperou esses anos todos envolvido no projeto do Aranha só pra fazer esse primor de sequência.
Um oásis.

2004-06-12T18:54:00.000-03:00

Hoje tive a surpresa do ano, provavelmente, no cinema: O Retorno, filme lindo, perdido no cinema aqui em São Paulo, passando em 2 salas, numa delas só as 2 da tarde.
De vez em quando, beeeeeem de vez em quando, eu saio do cinema com uma pontinha de inveja branca, (se é que esse termo existe, mas já usarram comigo), que é a inveja saudável, e nesse caso, saio de um filme com a vontade de tê-lo feito. Mas esses momentos são super raros, cada vez mais, não sei se pelo fato de eu me tornar cada vez mais exigente com o passar do tempo, de cada vez ter menos paciência com as coisas, ou por causa da tal da "sabedoria que vem com a idade", mas eu sei que cada vez menos assisto um filme que me dá essa vontade.
Pois hoje, um sábado de chuva, sábado de dia dos namorados e eu sozinho (hehehe), saio do cinema com essa sensação, uma das melhores que eu conheço, a sensação de júbilo por ter presenciado uma obra prima.
O filme é simples, tão simples quanto um filme pode ser: numa cidadezinha russa, dois irmãos entrando na adolescência, naquela fase de compartilhar tudo, amigos, brincadeiras, brigas, voltam pra casa um dia e descobrem que seu pai, que havia desaparecido 12 anos antes, voltou e está no quarto dormindo, desansando.
No primeiro jantar, ele age como se nada tivesse acontecido, como se seu sumiço não tivesse acontecido e jea combina uma viagem com os meninos pro outro dia.
Isso tudo é mostrado da forma mais simples, tranquila, quase anódina pelo diretor, desde a escolha da locação da cidade onde eles moram, um lugar lindo, plácido, até a casa da família, sem nada que interfira muito na ação, sem anda que tire a atenção ou que distraia o espectador, aquela direção de arte que parece que não existe, a beleza da sutileza.
Aliás, sutil é o adjetivo mais apropriado pra esse filme.
E a sutileza da família vem ser mudada pela volta do pai.
No jantar, os pratos são um frango assado disposto numa tijela no meio de batatas cozidas, ao lado de uma vasilha com frutas vermelhas e uma garrafa de vinho.
O pai, ao se sentar à mesa, destrincha o frnago com as mãos e o serve, ordenando a mãe que sirva vinho aos filhos para brindar. A sutileza começa a ser posta de lado com a volta de uma rotina que nunca existiu.
No quarto do casal, uma cama com lençóis que, apesar de cetim, mostrando uma sensualidade que ainda existe na esposa, snao de cetim azul, não vermelho ou preto. O sutil.
Isso num quarto onde além da cama só existe uma cadeira pra colocar o roupão tirado, uma mesinha com um espelho, pequeno, em cima e uma máquina de costura no canto.
A mulher se despe, fica com um pijama curto, mas discreto, deita-se na cama e espera o marido que se deita e não faz nada. Dorme.
A trilha sonora do filme é esplendorosa. Sons que eu não esperava ouvir nos momentos que eu não esperava ouvir nada.
Genial.
A viagem de carro começa, o pai e os dois filhos indo pescar.
O filho mais velho atento, transbordando saudades de alguém que não conhecia e transbordando felicidade por tê-lo (re)encontrado.
O filho mais novo (o genial Ivan Dobronravov, um moleque de 14 anos d idade, com cara de mais novo, que esbanja talento, que dá um show de interpretação, uma aula de acting) desconfiado, não sabendo ainda se gosta ou não da situação e que dorme durante a viagem pra se esconder, provavelmente.
As situações, por mais banais que sejam, como almoçar num restaurante numa cidade desconhecida, conversar sobre pesca, fazer perguntas sobre o passado do pai, todas elas vão tornando a situação cada vez mais constrangedora, fazendo ao mesmo tempo que os três, o pai e os dois filhos, tentem ser sutis no que dizem um pro outro, tentem dizer o que pensam para quebrar o gelo que existe da não relação de anos e acabam tornando tudo cada vez mais difícil, até momentos de total desespero.
Não vale a pena contar o resto da história do filme, o que vale ser dito é do primor estético, da fotografia belíssima, da trilha (de novo) primorosa, das atuações de todo o elenco, inclusive a avó que nada diz, mas que muito expressa com seu silêncio.
O diretor, Andrei Zvyagintsev, em seu primeiro filme, é o tipo de diretor que não tem preguiça de colocar a câmera no melhor lugar pra ter o melhor enquadramento pra cada cena, é o tipo de diretor que encontramos cada vez menos no cinema hoje, o diretor sem preguiça de enquadrar.
Por tudo isso, O Retorno deve ser visto e revisto e em momentos de dúvidas e questionamentos cinematográficos, que são cada vez mais comuns hoje em dia, um filme que deve ser lembrado.

2004-04-29T01:11:00.000-03:00

Pra deixar as coisas bem claras de início: eu não sou um fã do Tarantino.
Sei que vão me matar, porque semrpe que eu digo isso pros meus amigos ouço coisas do tipo “como assim, você é a cara dele, cheio das mesmas popices e referências absurdas”; dizem isso quando os mais ardorosos não me xingam como, por exemplo, quando eu digo que acho Jackie Brown uma porcaria, que o filme só vale pela Bridget Fonda.
E o pior é que eu tenho uma historinha boa com o Quentin.
Em 1992 eu cobri o Festival de Cannes pra revista Set e um dia chegando na redação antes de viajar, meu editor disse que uma distribuidora tinha ligado oferecido uma entrevista com o Harvey Keitel, que estaria lançando seu filme mais recente, Reservoir Dogs no Festival. Eu fiquei excitado, primeiro porque eu não teria que mendigar pela entrevista, o que aconteceu direto, por ser eu um jornalista de primeira viagem no Festival e porque eu escrevia numa publicação mensal, outro ponto não tão bom porque eles priorizam os diários. Bom, animados, ligamos confirmando a entrevista e descobrimos que havia um porém: eu teria que entrevistar também o diretor do filme dele, um tal de Quentin Tarantino.
Pois não?
Quentin o quê?
Título de filme estranho, nome do diretor estranho!
Acabou meio que virando piada a entrevista com o tal e pra piorar a situação, quando mandaram o release do tal filme, veio só uma foto do diretor e o cara tava péssimo nela, cara de nerd total.
Mas, beleza. Tudo pelo Harvey!
reservoir Dogs estava na Seleção Oficial da Mostra mas passando for a de competição, numa das sessões da meia noite.
Como ia entrevistar os dois no outro dia pela manhã, fui ver o filme, apesar de evitar as sessões da meia noite porque a o primeiro filme do dia sempre era as 8 horas da manhã.
Qual não foi a minha surpresa quando no meio do filme descubro a pérola de Cannes 92: o filme mais violento, sem concessão, desbocado, sanguinário e ao mesmo tempo engraçado que eu tinha visto até então no balneário francês.
Foi amor à primeira vista.
Saí da sala embasbacado. Não me lembro de ter outro jornalista brasileiro vendo o filme, porque não me lembro de ter falado com ninguém até o outro dia de manhã.
Fui pro hotel, dormi e acordei excitado no outro dia nem pelo filme da manhã, mas pelas entrevistas com mr. Harvey Keitel e com o meu novo ídolo, o tal do Quentin.
Cheguei na minha mail box, que é onde receíamos notícias, releases, confirmações de entrevistas e tal e havia um bilhete do publicista do filme cancelando as entrevistas individuais e dizendo que eles só participariam da coletiva.
Decepção total.
Mas fui pra coletiva ainda na esperança de encontrá-los e tentar alguma coisa interessante: chego na sala da tal da coletiva e encontro diretor, atores e produtores com cara virados, sem muitas “condições” de participar de uma coletiva, quanto mais de entrevistas individuais.
Fiquei ainda mais bem impressionado.
Roquenroll!
Atitude. Era disso que o festival, que o cinema, precisava.
Meses depois, o filme estreou em São Paulo: reservoir Dogs virou Cães de Aluguel e o tal do Quentin veio à São Paulo para uma promoçãozinha, agora já um diretor mais bacana pelo sucesso alternativo que o filme vinha fazendo pelo mundo.
E dessa vez consegui bater um papo com ele.
E contei pra ele da minha decepção em Cannes e da minha alegria com a atitude final dos caras e ele me confirmou a noite em claro e a “obrigação” da coletiva e da falta de condições de qualquer outro tipo de evento (leia-se entrevistas).
Daí pra frente é a história que todo mundo conhece.
Depois de 2 anos ele lança Pulp Fiction, vence Cannes e vira “O” diretor, a promessa.
Inicia assim um legado com marcas registradas que todo mundo espera os seus próximos filmes para conferir, como relançar atores fadados ao ostracismo, John Travolta, no caso de Pulp Fiction ou escolher a dedo músicas de seus filmes e lançar cd’s que viram mania e ainda, também nesse caso, desenterrar artistas esquecidos.
Eu até hoje não me conformo como Pulp Fiction ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cannes (mas também não me conformo como Pelle, O Conquistador também ganhou a Palma de Ouro).
Talvez seja por ser um filme que tenha re-descoberto um ator como Travolta.
Ou talvez seja por uma trilha sonora “cool as fuck”.
Ou talvez pela montagem fragmentada que criou um antes-e-depois no cinema.
Ou talvez seja pelo elenco absurdo que tem desde a portuguesa Maria de Medeiros (que diz a lenda ele conheceu aqui em São Paulo) até
Bruce Willis canastrão como nunca.
Ou talvez seja pelo apuro técnico.
Ou talvez seja pelos diálogos absolutamente desconcertantes.
Acho que já é motivo suficiente pra ganhar qualquer festival.
Mas mesmo assim não me convence como um filme de turning point, de referência absoluta e indiscutível. E nem tô aqui pra criar polêmica a esse respetio, acho que tudo já foi dito a respeito desse filme.
Quero chegar em Kill Bill Vol.1.
Quero dizer que apesar de Pulp, do mediano Jackie Brown, Kill Bill me conquistou já nos primeiros 3 minutos da sessão.
A primeira imagem em preto e branco da Uma Thurman toda ensanguentada já vale o preço do ingresso.

O genial do filme é que ele já começa na porrada. Não é um filme que vai te preparando , levando em banho maria até te bater na cara. Não. É sangueria, porradaria pesada do começo ao fim. Até que você acha que não vai aguentar mais.
E aguenta.
E tem mais.
O filme conta a história da noiva, Uma, linda e loira, que depois de traída, deixada à beira da morte pelo seu amante Bill no dia de seu casamento, grávida nos últimos dias, sai de um coma de 4 anos e busca vingança.
A noiva não só era amante de Bill, mas fazia parte de sua trupe de matadores profissionais, trupe essa que acaba com suas núpcias antes mesmo de acontecerem e que volta à sua memória no momento em que ela sai do coma no hospital logo quando um enfermeiro traz um bruta montes para estuprá-la mais uma vez. Ao acordar, ela não só lembra desses constantes estupros (e já começa sua vingança ali mesmo) como se lembra do rosto dos seus antigos companheiros de matanças como os responsáveis pela sua condição atual.
Nesses primeiros 10/15 minutos de filme já percebemos a genialidade Tarantinesca na escolha do elenco com uma surpreendente e mais linda que nunca Daryl Hannah (a renascida das trevas da vez), Michael Madsen, o bad boy por excelência fazendo um bad boy, Vivica A. Fox linda e perigosa e a melhor, mais linda, mais impressionante atriz de língua inglesa na atualidade de filmes absolutamente dispensáveis, Lucy Liu.
Daí pra frente, são sequências memoráveis, como a briga entre Uma e Vivica na casa desta, onde elas são surpreendidas pela filha da ex-assassina, agora dona de casa exemplar, que ao chegar em casa pergunta o que aconteceu vendo a mãe e sua amiga loira descabeladas e ensanguentadas em meio à sala destruída e ouve uma mãe esbaforida dizendo que foi o cachorro que fez aquilo com a sala, aquele cachorro desobediente!
Outra sequência de arrepiar é o trecho fetichista por excelência do filme com um close dos dedões dos pés amortecidos de Uma dentro do seu novo carro, enquanto ela tenta se concentrar ao máximo e fazer seus pés voltarem à vida, saindo do torpor de 4 anos sem utilidade: a mulher é linda, sem dúvida nenhuma mas seus dedões dos pés são tristes, tortos, grandes o que com o uso de uma sutil grande angular distorceu mais ainda tirando todo o pouco de apelo erótico que restva e jogando todo o apelo para o lado do fetiche mais animal.
A noiva (seu nome ainda não é dito no filme, sendo coberto por um apito, como se fosse proibido), tem uma lista de quem matar que ela vai “ticando” depois de cara caso resolvido.
E o último nome dessa lista é Bill, apesar dela não seguir a ordem dos nomes necessariamente.
Seu próximo passo é uma viagem ao Japão, onde vai primeiro atrás de uma espada especial, feita por um homem especial numa sequência espetacular de engraçada num balcão de restaurante. Logo depois ela vai atrás da rainha do crime do Japão, O-Ren Ishii, a personagem de Lucy Liu. Só que antes de encontrá-la, ficamos conhecendo sua história, de como quando criança presenciou (escondida) o assassinato de seus pais e jurou vingança, um quase Batman. Só que do mal. O ponto absurdo é que essa parte do filme é mostrada em desenho animado japonês, um anime lindo e mortal, com uma riqueza de detalhes impressionante.
A menina desamparada que mata o assassino de seus pais, vira a mais temida e odiada chefe do crime japonês, temida por seus atos sem misericórdia e odiada por sua ascendência sino-americana.
Quando a noiva chega ao encontro da “rainha” em sua colméia, o filme vira um banho de sangue na tela como há muito não se via.
Corpos decepados, cabeças voando, sangue espirrando, muita luta de espada, muitas armas mortais e um apuro técnico na filmagem que deve ter consumido a grnade parte do orçamento do filme.
Um dos grandes personagens desse filme é Gogo, a japonesinha com roupa de colegial que é a mais perigosa dos bandidos do filme. Aliás, esse é um filme sem mocinhos, só bandidos. Ela é a protagonista de um das cenas antológicas do filme, numa conversa de bar com um cara que troca de papel com ela de quem “mete” o quê em quem.
Mas mesmo Gogo, a protegida da rainha, a mais bacana do filme não sobrevive ao horror da noiva, apesar de todo seu poder de ódio.

Quando achava que a porradaria estava terminando, era quando na verdade começava a verdadeira baixaria de sangue e vísceras e pedaços de corpos perdidos e imagens lindas e fundos azuis e contra-luz.
Tudo isso para terminar num jardim japonês, a noite, com um chão coberto de neve caindo e uma Lucy Liu num quimono imaculadamente branco indo pra sua batalha final contra a tão temida Noiva.

Mas chega de falar do filme e viva Tarantino!
E viva Kill Bill!
O único problema vai ser esperar até outubro pra ver se o filho que a noiva carregava em seu ventre na chacina do casamento sobreviveu ou não.
E esperar até outubro pra ver se Bill, David Carradine, o gafanhoto da série Kung Fu vai lutar como lutava na tv.
E esperar pra ver se as máscaras de besouro verde usadas pela gang da rainha japonesa vão ser usadas por mais alguém.
E esperar pra ver se além do tênis tiger amarelo e do branco que a noiva usa, se Tarantino vai reavivar alguma outra paixão da nossa adolescência.

2004-04-24T12:55:00.000-03:00

Elefante é o melhor filme dos últimos anos.

E provavelmente o melhor de alguns anos que virão.
Tive quase essa sensação ao assistir Dogville , o petardo de Lars von Trier com o furacão Nicolle Kidman detonando todos os dogmas e padrões dos americanismos, para todos nós tão familiares.
Eu estava absolutamente desacreditado em relação a Gus Van Sant desde há muito. Seus últimos filmes todos tinham sido absolutamente decepcionantes pra mim, inclusive o pseudo-maravilhoso, erroneamente incensado Gerry, a tentativa estapafúrdia de fazer cinema iraniano com idéia pífia e atores bonitinhos-mas-ordinários.
Meu espanto começou quando Elefante ganhou a palma de ouro em Cannes o ano passado e o prêmio de direção.
Fiquei ansioso pra assistí-lo e feliz ao saber que a Mostra de Cinema iria exibí-lo.
Fui à primeira sessão do filme e saí de lá sem forças pra ver mais nenhum, o que durante a Mostra é impensável pra mim, já que assisto pelo menos uns 3 por dia.
Muito coisa me espantou no filme.
E espantar é um verbo absolutamente apropriado pra sensação que me causou o filme.
Elefante, definitivamente, não é um filme fácil e imagino que uma preocupação desde o início do projeto teria sido o fato de se fazer um filme onde todo mundo já saberia o final da história: uma recriação da chacina ocorrida no colégio em Columbine onde dois estudantes mataram várias pessoas entre colegas e funcionários dentro da escola.
O tema tinha sido discutido exaustivamente pelo polêmico Michal Moore no seu Tiros em Columbine, o filme que aponta o dedo para as feridas e pecados americanos em relação ao comércio legal e ilegal de armas de fogo de uma forma não muito ortodoxa filosoficamente falando.
Voltando a Elefante, as sutilezas do filme (o oposto de Tiros) é o que mais impressiona.
Uma coisa que me deixou estupefato é a delicadeza como Van Sant apresenta todos os personagens do filme, sem nenhum julgamento de valor, sem nenhum preconceito ou qualquer coisa parecida. Os dois meninos assassinos são mostrados com o mesmo peso e a mesma importância que a menina nerd e excluída ou que o estudante de fotografia bacana.
Os planos são longos, as cenas não são cortadas e são repetidas do vários pontos de vistas diferentes. A câmera “segue” essas pessoas pela escola e elas se cruzam e as cenas se repetem de outras formas, na verdade não se repetindo e mostrando quase novas versões da mesma história.
Um não-Rashomon.
E o diretor nos brinda com alguns momentos de delicadeza no meio da barbárie anunciada.
Um slow quando o garoto loiro brinca com o cachorro segundos antes da dupla assassina entrar na escola, passando por ele e avisando que algo ruim vai acontecer. É a calmaria antes da tempestade, o prenúncio poético do terror.
Outra cena tocante é a hora que o menino que vai matar todo mundo toca Sonata Ao Luar de Beethoven ao piano, no porão da sua casa, onde vive em meio à publicações sobre armas, desenhos estranhos, um computador onde joga games violentos e uma tv onde assite um documetário sobre Hitler.
O filme é lindo.

Até que se inicia a chacina, quando vira quase um gore.
Só que nesse caso, o gore nos dá enjôo de verdade, porque acreditamos no que está acontecendo.
Aliás, essa, na minha opinião, é a grande qualidade do filme: nos fazer acreditar no que estamos vendo na tela.

Apesar de já sabermos o que íamos ver, de já sabermos o que estava por vir.
Diferente de um filme como A Paixão de Cristo, por exemplo, onde já conhecia o roteiro inteiro do filme, já sabia que ele ia morrer na cruz no final, mas não me comoveu nem um pouco. O Cristo super herói de Mel Gibson , que sobrevive às chibatadas horrendas e absurdamente mostradas no filme, que carrega a cruz, que é prepotente, mal educado ao extremo, num filme de absurda propaganda católica, fez com que no fim eu quisesse sair logo do cinema de cansado que estava de assistir àquele exercício estilístico besta. Fiquei com a impressão de que o ex-Coração Valente quer se tornar um diretor de filmes publicitários.
Enquanto isso, Van Sant prova que um bom filme independe da polêmica besta (Paixão, Tiros), independe das enormes quantias gastas na produção (lista infinda de títulos) mas depende da mão sutil, depende da forma bem acabada de como fazer e do que mostrar.
O Gus é meu herói.

2004-04-13T13:24:00.000-03:00

Polanski não é Deus.
Sempre tive dúvidas a esse respeito, principalmente depois de assistir “Piratas ” na minha casa, num vhs pirata duma locadora que eu era sócio antes do filme ser lançado aqui, uns bons anos atrás. Não acreditei que o homem que fez “O Bebê De Rosemary ”, um dos meus 10 filmes preferidos de todos os tempos pudesse fazer um filme tão porcaria quanto aquele.
Bom, minhas dúvidas terminaram quando eu fui a uma sessão de “Faca Na Água ”, encerrando um festival com os filmes do diretor oscarizado aqui em São Paulo e, melhor ainda, com a presença do próprio.
Como bom tiete que sou, levei minha indefectível camera digital e lá fui eu, na vã esperança de trocar umas poucas palavras com ele e, se tudo desse certo, de tirar uma foto ao seu lado.
(Esse meu lado tiete vem de longe, já teve dias piores, quando num momento de total delírio eu passei algumas horas na frente de um hotel em Copacabana esperando que alguém do Duran Duran aparecesse na rua, na porta ou em qualquer lugar visível que pudesse me proporcionar uma foto, um autógrafo ou qualquer coisa parecida. Tive quem me contentar com o vocalista do Simply Red andando pelas ruas de Ipanema. Mas esses dias passaram e hoje sou uma pessoa “normal”).
Cheguei ao cinema em cime da hora.
Sessão lotada.
Tive que me sentar no chão porque a maioria dos assentos estavam reservados a alguém com um nome impronunciável que deveria ser polonês, obviamente.
Faz-se o silêncio, alguém se dirige a frente da platéia e começa a agradecer o consulado polonês, a embaixada, e um monte mais de gente/escritório/corporação, até que alguém resolve chamar Roman à frente para falar.
A platéia começa aplaudir e lá vai ele, o homem que ousou colocar uma menina de 16 anos de idade nua num filme e assim criou o mito Nastassja Kinski. O homem que fez um fugitivo judeu tocar piano pra um oficial nazista em troca de pão e um casaco numa das sequências mais lindas e emocionantes da história do cinema em
O Pianista
Ele, super elegante de terno, baixinho, acompanhado por uma intérprete começa os agradecimentos e conta que o filme que vamos assistir foi totamelmente relegado a segundo plano quando de seu lançamento na polonia pós-guerra porque não era um filme “engagé”, mas um filme mais preocupado com a estética, e disse ainda que quando o primeiro ministro , um ano depois do lançamento do filme, o assistiu em sua casa, ficou decepcionado com aquele “desvairio de juventude”, nas palavras do próprio Polanski.
Depois de mais aplausos, lá vai ele embora, prometendo estar de volta ao final da sessão.

As luzes se apagam e se inicia o filme.
Eu já tinha visto o filme, se não me engano, em algum cineclube quando fazia faculdade. Lembro que tinha gostado mas não me lembrava o porquê.
O filme começa muito bem com uma câmera mostrando um carro numa estrada com um casal dentro. Não se ouve o que eles conversam, eles conversam pouco, mas percebe-se uma inquietação, um desconforto.
Desconforto esse que irá perdurar o filme todo.

Num dado momento, eles dão carona a um homem que se joga em frente ao carro na estrada. Quando param o carro ao desviarem, o homem que dirige desce e quase bate no caronista. Mas acaba por levá-lo junto.
Nesse momento vemos o que acontece, em relação a diferença de classe social deles, casal burguês no pós-Guerra com carro bacana, meio que sendo “cobrado” pelo camponês que diz que achava que esses carros eram carros de ministros ou alguém do nível. O casal se explica ao mesmo tempo que não se importa muito com o que está explicando, ao mesmo tempo que começa a sentir um pouco de prazer nessa quase demonstração de poder/superioridade.
Eles chegam a um porto onde descarregam poucas malas e se dirigem a um veleiro, ajudados pelo caronista que olha com interesse para a morena insinuante. Eis que o marido, de propósito ou não necessariamente, o velho sem-querer-querendo convida o intruso para ir com eles no passeio, ao que ele aceita, frisando que não sabia nadar e que nunca havia entrado num barco antes.
E assim se inicia uma tour de force entre a burguesia polonesa querendo se mostrar e se gabar de seu saber, de seu conhecimento e de seu dinheiro/poder, apesar dos tempos bicudos ao proletariado representado pelo camponês ignirante, de hábitos rudes mas de olhar penetrante e com um mistério em seus gestos que apesar de grosseiros vão, ao decorrer do filme, gerando um encantamento na esposa e um ciúme no marido a ponto de disputarem forças e poder durante a viagem de todas as formas possíveis nesse hui-clos que se torna o veleiro, nos momentos mais banais como a hora do almoço quando a mulher prepara alguma comida numa panela grande com um vinho sendo servido em copinhos de prata e o camponês tira de sua sacola um rabanete que oferece ao casal que o come com certo espanto depois de alguém dizer que “não tinha pensado em trazer alguma coisa ssim pra comermos”.
O ponto central do filme, essa disputa entre os dois homens, que termina com a conquista da mulher do primeiro pelo segundo numa cena maravilhosa de sexo enquanto o marido dorme, é elevada ao seu ápice com a faca do título. O camponês tem sempre à mão uma faca, um canivete, usa em alguns momentos importantes do filme inclusive numa cena brincando com a ponta da faca por entre seus dedos com extrema agilidade que, ao ser observado pelo dono do barco é repreendido por estragar a pintura da proa onde brincava, mas que ao mesmo tempo o próprio tenta "brincar" com a faca sem a mesma habilidade.
A tensão é toda criada por causa da disputa dos dois "machos", de um querer mostrar mais poder sobre o outro de uma forma ou de outra: o rico mostrando que comanda o barco, o pobre mostrando seu corpo bem construído pelo trabalho braçal e sua destreza.

O ponto chave é quando, numa quase luta dos dois, a faca cai na água.
O camponês fica desesperado querendo sua faca de volta, diz que não sabe nadar, o rico não fazendo nada a respeito, sua mulher pedindo que ele vá atrás da faca e ele dizendo que não queria saber de nada e o camponês acaba pulando na água e some.
Não se vê o que acontece com ele, se ele se afoga, para onde vai seu corpo até que a mulher desesperada diz um monte de impropérios para o marido, inclusive que havia dormido com o desaparecido e ele se vê na obrigação de sair à sua procura. Daí é o marido que some, sai nadando até sumir da vista da mulher no barco quando o camponês volta, explicando que sim, ele sabia nadar.
Ela, mais calma, sai com o barco em direção ao porto do início e no meio do caminho larga o camponês que segue sua direção. Ela continua com o barco até que encontra o marido esperando que ela chegasse.
O final do filme é um primor de desfecho, pelo fato do diretor brincar com a nossa expectative. Polanski propõe uma reviravolta sutil fazendo com que a mulher, o tempo todo uma talvez personagem passiva da história absolutamente masculine, toma o poder nas mnaos em relação ao seu marido dizendo pra ele que o camponês foi embora, que eles não precisam ir à polícia, mas conta de uma forma não muito convincente, porque seu marido fica reticente até o último fotograma.

Saindo da sala de cinema, depois de uma aula de cinematografia, espero enfim encontrar Roman no saguão e trocar umas palavrinhas com ele.
Total desapontamento: ele saiu pra jantar e não voltou ainda.
Ninguém vai embora, muita gente esperando o famoso polonês vencedor do oscar voltar.
Não sou uma pessoa super paciente e confesso que teria ido embora, não fosse minha querida amiga Lalai que insistiu para ficarmos.
Algum tempo depois, eis que se arma uma confusão na porta do cinema com a chegada do nobre diretor.
Eu me enfio no meio da multidão e tento trocar umas poucas palavras com ele.
Abuso do meu francês e o agradeço pelo “Bebê de Rosemary”.
Ele se espanta, olha pra mim, dá uma risadinha e me pergunta se eu sou francês.
Aproveito a deixa, respondo negativamente e peço pra tirar uma foto ao seu lado, no que sou prontamente atendido pelo simpático mestre.
Minha câmera estava com a bateria bem fraca, teria chance de uma única foto.
Ligo e me posiciono ao seu lado.
Quando peço pra ele olhar pra camera, me preparo e vejo que, ao apertar o botão pra fazer a foto, uma mulher, loira, grande, estranha e bem estúpida, entra na frente da câmera, entre a lente e Roman.
O que sobrou foi uma foto de um braço escondendo um rosto famoso, seus cabelos cacheados e grisalhos saindo pelos lados e a minha cara d absoluto descontentamento e decepção na foto.
Decepção.
Frustração.

Um dia ainda mostro essa foto pra ele.

2004-04-12T22:57:00.000-03:00